Improptu

 

Se presenta por primera vez en la Argentina la exhibición ideada en nuestro país por CAI GUO-QIANG. Considerado uno de los artistas más significativos en la actualidad,  nacido en Quanzhou, China en 1957, se traslada a Japón en 1986 y reside en Nueva York desde 1995. Dotado de una increíble versatilidad y creatividad tanto en el uso de los materiales, como también en la magnitud y escala de sus trabajos, llega por primera vez a nuestro país invitado por Proa.

El artista ha elegido el título Impromptu (improvisación) para reflejar un enfoque aproximado al de la música y coreografía que pudo observar en el tango, como también en otros aspectos de la vida cultural de nuestro país. Luego de dos viajes exploratorios, concibió Impromptu para las cuatro salas de Proa, el espacio aéreo de la librería y un “proyecto de explosión” con fuegos artificiales inspirado en el tango.

La exhibición presenta paisajes a gran escala realizados en pólvora sobre papel con sus impresiones de visitas a Misiones y a Salta, una serie de pinturas con pólvora que reúnen elementos inspirados por distintas fuentes: la fauna argentina, el tango y los retablos religiosos del sur de Europa; además el artista ha creado una instalación hecha en cerámica que se suspende en el espacio aéreo de la librería.

Una sala dedicada a la documentación de sus obras producidas en nuestro país y a diversos  “proyectos de explosión” realizados alrededor del mundo, brindan un panorama completo de esta faceta única de su obra.

Las obras creadas in-situ para la muestra, fueron realizadas con la asistencia de grupos de estudiantes de la Universidad Nacional de las Artes (UNA) y del Instituto Municipal de Cerámica de Avellaneda, durante una semana. Ante la vista del público, el artista compartió su proceso de construcción de la obra y su azaroso resultado. Este método artístico abierto acoge la participación de los voluntarios como otro elemento creativo de la obra. El proceso ante el público se convierte en si mismo en un diálogo entre culturas donde el artista dirige un “acontecimiento” como si fuese un maestro de la escena, esta actividad tiene en sí mismo una naturaleza Impromptu dado el carácter impredecible de los elementos que se integran.

En diálogo con la exhibición, el sábado 24 de enero, el artista presenta un único evento artístico efímero “La vida es una milonga: tango de fuegos artificiales para Argentina” donde incorpora música, danza, participación del público y nueva tecnología pirotécnica, una obra en la que propone un recorrido por la historia del tango y de nuestro país durante el siglo XX.

FUNDACIÓN PROA
Av. Pedro de Mendoza 1929 –La Boca, Caminito - Buenos Aires - [54.11] 4104.1000
De martes a domingo de 11 a 19 - Lunes cerrado.

Hasta el 1º de marzo de 2015

Cromofobia

Curadora: Teresa Riccardi

Entre la luz y su ausencia, una reunión de imágenes, esculturas, dibujos y fotografías contemporáneas proyectan temporariamente  un espacio formal y acromático en MACBA.  Como si se tratara de una cámara resonante que desafía el umbral audible intensificándolo o neutralizándolo, las piezas que integran esta exhibición en blanco y negro ocupan la arquitectura del museo creando un relato que cancela la posibilidad expansiva e inmaterial que nos propone el color para pensar la gramática formal  que instalan los extremos lumínicos y opacos.

En esta constelación, la certeza gobierna sobre la inestabilidad sugerida por la variación de tintes y cromas, evitando los desvaríos del color, las explosiones y sus afinidades selectivas. Cromofobia  no intenta construir formas de interacción a partir de sus tintes, sino a partir de sus valores y significaciones. Donde cada intervalo de sentido se elabora en la superficie material, y las gradaciones o volúmenes espaciales se reparten entre las distintas intensidades de fuente lumínica. En esta manifestación, ciertas piezas, exteriorizan las progresiones intermedias que componen  la escala de los grises.

Cromofobia nos invita a percibir las obras, su planteo formal y nos acerca a la subjetividad que se inscribe detrás del conocimiento sensible y lenguaje de cada artista. Expone un modo posible de ver usos diversos del blanco y el negro, y en ello, de qué modo ésta elección adquiere un peso específico, una gravedad discursiva.  No obstante la restricción del color, la exhibición nos abre hacia otra lectura fenomenológica de los objetos, las cuales despliegan un horizonte de posibilidades para poder mirarlas y comprenderlas.

Esta exhibición reúne piezas de: Leandro Katz, Horacio Zabala, Lucio Dorr, Silvana Lacarra, Andrés Sobrino, Jorge Miño, Ivana Vollaro, Pablo Accinelli, Nicolás Mastracchio, Marcela Sinclair, Tomás Espina, Matías Duville, Mathieu Mercier, Marcolina Dipierro, Alfio Demestre, Eduardo Basualdo, Guido Yannitto, Erica Bohm, Malena Pizani y Mariano Vilela. También se incluyen obras de la Colección MACBA de los artistas Anna María Maiolino, Ascânio MMM, Knopp Ferro, João Costa da Silva, Lothar Charoux, Rogelio Polesello, Beto de Volder, Pilar Ferreira, Manuel Álvarez, João Carlos Galvão y Raúl Lozza. 

Hasta el 1º de marzo de 2015

Lunes a viernes de 12 a 19 - Sábados y domingos de 11 a 19:30 - Martes cerrado

Ingreso hasta 30' antes del cierre

Tarifas

Adultos: $30. Estudiantes, docentes y jubilados (o mayores de 65 años) con acreditación vigente: $20. Menores de 12 años: sin cargo

Miércoles: Adultos: $20. Estudiantes, docentes y jubilados (o mayores de 65 años) con acreditación vigente: sin cargo. Menores de 12 años: sin cargo

MACBA – San Juan 328 – 5299-2010

La seducción fatal. Imaginarios eróticos del siglo XIX

Curada por Laura Malosetti Costa. Organizada en colaboración con la Biblioteca Nacional, la exposición se desarrolla también en la Sala del Tesoro de la misma, donde se exhiben grabados y publicaciones eróticas de su acervo.

Se exhiben alrededor de 65 obras de pintura y escultura, además de grabados, fotografías e impresos, reunidas en los siguientes núcleos: Erotismo y violencia, Desnudo, voyeurismo y trasgresión. Esta selección permite contemplar obras de artistas europeos y argentinos, incluyendo al uruguayo Juan Manuel Blanes, del siglo XIX.

Aunque buena parte de las obras reunidas fue realizada en Europa, en un nuevo ámbito sus significados variaron: nuestra mirada situada en la Buenos Aires de fin de siglo las desplaza a un escenario distinto, donde se tramitaron de otros modos las novedades y las tradiciones europeas, así como las relaciones de género, raza y clase implícitas en las formas del erotismo que esas obras pusieron en escena.

En este sentido hay una invitación a pensar sincrónicamente los distintos circuitos y públicos para este tipo de representaciones y la incipiente cultura de masas en la ciudad: los grabados y libros de lujo, la fotografía, la caricatura política, la publicidad en las primeras revistas ilustradas, el cine, la milonga y el tango. A partir de esos cruces, resulta evidente la fluidez con que las imágenes, los símbolos, las formas de pensar y sentir circularon entre la cultura de las elites y la de las clases populares, en una ciudad que por esos años alimentó una fama mundial de ser tan bella y seductora como peligrosa.

Gracias a la iniciativa de la Biblioteca Nacional de convocar a destacados escritores contemporáneos para escribir sobre las obras de esta exposición, tenemos la oportunidad de acercarnos al estímulo tanto intelectual como sensible que ellas siguen ejerciendo sobre este grupo selecto de hombres y mujeres de nuestra cultura, lo cual habla de la persistencia de sus poderes.

Visitas guiadas a la exposición: a partir del 19 de noviembre, martes a domingo a las 18

Hasta el 15 de marzo de 2015

Martes a viernes de 12.30 a 20.30 - Sábado y domingo de 9.30 a 20.30

Museo Nacional de Bellas Artes - Avenida del Libertador 1473

ENTRADA LIBRE Y GRATUITA

Los Viajes de Nushi

De la artista Nushi Muntaabski

La obra que presenta la artista Nushi Muntaabski es un cuerpo, su cuerpo, de 9 metros de largo que emula los viajes de Gulliver del libro de Jonathan Swift.

El cuerpo se presenta fragmentado permitiendo ver su interior y ocupando, tomando, el espacio circundante. Es difícil definir a esta multifacética artista según Marcelo Pacheco, quien manifiesta:

“Pero ¿qué se sabe de Nushi? Se sabe que empezó plantando zanahorias –al menos es lo más antiguo que retiene esta memoria– y que ahora teje bajo el alero de su galería frente al jardín lleno de rosales, mientras piensa en Gulliver y sus ocho metros, un Gulliver que es ella, que tiene su cuerpo, sus formas, su rostro. Nushi gigante y en rebanadas, por allá un brazo, por acá el cuello, más lejos la cabeza, del otro lado un pie junto al torso; un Gulliver mujer que se arma y se desarma, una buena definición para Nushi y sus Nushis que la persiguen o la protegen según las épocas.

Pero volvamos ¿qué se sabe de Nushi? Zanahorias, venecitas, lectora paciente, exploradora de imágenes, le gusta verse desmembrada, quizás por el placer y las ganas de multiplicarse o porque se siente partida o la fueron cortando en pedacitos; mutilación, milagro, fantasía, psicosis, el gusto que le provoca pensar en la risa de la gente jugando con su cuerpo, sentada sobre sus ojos, corriendo entre sus piernas y un brazo, perdida en su sexo, deslizándose sobre su torso.”

Hasta el 22 de febrero de 2015

Colección Amalia Lacroze de Fortabat - Plaza seca

Olga Cossettini 141 - Buenos Aires - 54 (11) 4310-6600

ACCESO LIBRE Y GRATUITO

El Greco y la pintura de lo imposible. 400 años después

En el marco de la celebración del IV Centenario de la muerte del Greco, el Museo Nacional de Bellas Artes presenta la exposición homenaje El Greco y la pintura de lo imposible. 400 años después.

La muestra cuenta con la presencia del óleo Las lágrimas de San Pedro de la colección del Museo del Greco de Toledo, como obra invitada gracias a la colaboración de Cooperación Española y de la Embajada de España/CCEBA.

Cuando en 1936 Jesús en el huerto de los olivos de Doménico Theotocópuli, el Greco, ingresó al Museo Nacional de Bellas Artes (MNBA) era una de las obras más relevantes de un maestro antiguo perteneciente a su  acervo y, desde entonces, ha integrado los distintos guiones curatoriales de la colección permanente.

El Greco entendía que la pintura era un arte superior y como tal le permitía tanto la aproximación a lo real y su representación, como la plasmación de lo imposible, esa otra realidad que se escapa a los sentidos  -epifanías, encarnaciones, milagros-  que inevitablemente abordaba con un canon de proporciones alargadas, y originales contrastes de luz y color, alejado del modelo establecido, como puede verse en las tres obras del artista presentadas en esta oportunidad. Jesús en el Huerto de los Olivos del MNBA, Jesús con la Cruz a cuestas, de la colección del Museo Nacional de Arte Decorativo (MNAD) y, proveniente del Museo del Greco de Toledo y prestada especialmente  para esta ocasión,  Las lágrimas de San Pedro, dialogan con las de sus contemporáneos Luis de Morales, Francisco Pacheco y Mateo Cerezo (Col. MNAD),  también de asunto devocional.

La exposición, curada por María Florencia Galesio, presenta además un conjunto de pinturas de artistas españoles pertenecientes a la generación del 98, óleos de algunos de sus miembros que, en la transición hacia el siglo XX, revalorizaron la figura del maestro griego.

Completa la exposición la proyección del video El Greco. Pintor de lo invisible, gentilmente cedido por la Fundación El Greco 2014 (Toledo).

Hasta el 15 de enero de 2015
Martes a viernes de 12:30 a 20.30
Sábados y domingos de 9:30 a 20.30
Museo Nacional de Bellas Artes - Av. del Libertador 1473 - Buenos Aires - 5288-9900
ENTRADA LIBRE Y GRATUITA

Antonio Berni: Juanito y Ramona

Curadores: Mari Carmen Ramírez y Marcelo E. Pacheco

La primera exposición de Antonio Berni (Rosario, 1905 - Buenos Aires, 1981) que presenta en forma exhaustiva y con piezas prácticamente desconocidas, sus célebres series de Juanito Laguna y Ramona Montiel e incluye a los Monstruos de sus pesadillas.

Producida en forma conjunta por MALBA y el Museum of Fine Arts, Houston (MFAH), la muestra reúne un conjunto de 150 obras creadas entre 1958 y 1978, cedidas por la familia del artista y por veinticinco colecciones públicas y privadas de Argentina, Uruguay, Estados Unidos, España y Bélgica.

Activo desde fines de los años 20, Berni desarrolló una larga y prolífica carrera marcada siempre por su visión social y política de izquierda, que abarcó diversas variantes del surrealismo y del realismo, como el que él mismo acuñó, a mediados de los años 30, bajo el nombre de “Nuevo Realismo”. A fines de los años 50, cuando ya gozaba de gran reconocimiento en la escena local con importantes vínculos intelectuales en París, Berni dio un giro radical a su concepción del arte que lo posicionó como un artista de pensamiento contemporáneo.

“Este realismo, actuando dialécticamente, encontró en el ciclo de Juanito Laguna y Ramona

Montiel su campo más provocativo. El uso del collage y el ensamblado puso en juego el problema de lo `real real´ y fortaleció las conexiones subyacentes de la actividad social que se oculta en el mundo concreto de los objetos”, reflexiona Marcelo Pacheco en su ensayo del catálogo.

La exposición se centra en este período singular e innovador de la producción de Berni, en el que narra la vida y las andanzas de dos personajes ficticios, el chico de la villa miseria y la prostituta, como arquetipos de una realidad social posindustrial, en la periferia de la ciudad de Buenos Aires, pero que podrían haber surgido de cualquier gran urbe latinoamericana.

Los protagonistas: Juanito y Ramona

A fines de los años 50, la figura de un niño empezó a aparecer como tema reincidente en la obra de Berni. Juanito Laguna surge como el primer personaje berniano. Está inspirado en los cientos de niños que el artista encontró en las villas miseria o barrios periféricos humildes que existían en la ciudad de Buenos Aires desde los años 30 y que incluso habían crecido en los últimos años.

Berni concibe a Juanito como hijo de un trabajador obrero, peón de la industria metalúrgica que vive en el barrio ubicado en el bañado de Flores y que pasa el tiempo jugando libremente en la calle. Como aclara el propio Berni: “Juanito es un chico pobre pero no un pobre chico. No es un vencido por las circunstancias sino un ser lleno de vida y esperanza, que supera su miseria circunstancial porque intuye vivir en un mundo cargado de porvenir”.

Internacionalmente apareció por primera vez en la Bienal de Venecia de 1962, en la que Berni obtuvo el Gran Premio de grabado y dibujo.

Berni comenzó a desarrollar el personaje de Ramona Montiel mientras vivía y trabajaba en París, a partir de 1962. Ramona es una joven de barrio que vive en el corazón de la gran urbe: Buenos Aires. Agobiada por su trabajo de costurera y seducida por los lujos y los esplendores, así como por las falsas promesas de “una vida mejor”, se vuelve prostituta.

Para esta serie el artista hurgó en los mercados de pulgas parisinos buscando materiales con los cuales componer su nuevo personaje: viejos vestidos de lentejuelas, pedazos de encaje, cordones, pasamanerías y demás accesorios con los que se engalanaban las mujeres de la Belle Époque. Ramona es producto de una concepción parisina del artista, alimentada de la tradición del cabaret francés y de su figura principal: la corista.

Los monstruos creados en un primer momento en escala bidimensional representaban los temores que acechaban a Juanito en su paisaje o entorno cotidiano, pero luego, ya en escala tridimensional, son producto de las pesadillas en relación al incumplimiento de los deseos de Ramona. Igual que los ensamblajes que narran la historia de Juanito, estas criaturas fantásticas surgen de objetos de desecho y de materiales reciclados; pero, a diferencia de aquellos, transfieren las investigaciones del artista a la escala de grandes objetos. Por eso Berni los bautizó “construcciones polimatéricas”.

Desde 1964, Berni dividió sus monstruos en dos grupos: Monstruos cósmicos y Monstruos infernales que desafían a Ramona Montiel. El carácter humorístico de estas bizarras creaciones provocó gran revuelo al ser expuestas por primera vez en su retrospectiva en el Instituto Di Tella en 1965. No sólo ponían en jaque las nociones conservadoras del “buen gusto”, sino que además mostraban la imaginación y el virtuosismo del artista en la técnica del ensamblaje, que acercaba la obra al objeto escultórico.

Hasta el 23 de febrero de 2015

Jueves a lunes y feriados de 12 a 20 - Martes: cerrado – Miércoles de 12 a 21

Ingreso hasta 30' antes del cierre

Entrada General: $60.

Estudiantes, docentes y jubilados acreditados: $30. Menores de 5 años y personas con discapacidad: sin cargo.

MIÉRCOLES: General: $30.
Estudiantes, docentes, jubilados con acreditación, menores de 5 años y personas con discapacidad: sin cargo.

MALBA Fundación Costantini  - Avda. Figueroa Alcorta 3415 – Buenos Aires - 4808 6500

NOÉ. S XXI y YESO

Como cierre de este año, la Colección de Arte Amalia Lacroze de Fortabat presenta dos muestras: Noé. S XXI y Yeso

NOÉ. S XXI

La exposición reúne un conjunto de obras producidas por este destacado artista en las primeras décadas del S XXI, especialmente seleccionadas por el curador Rodrigo Alonso. La muestra propone una mirada sobre la presencia vital de Luis Felipe Noé en al contexto contemporáneo, tanto como protagonista y como referente.

La exhibición, escribe Rodrigo Alonso, "está dedicada al trabajo de los últimos años; por fuerza, el menos estudiado de su carrera. Una rápida mirada es suficiente para verificar que entre esas obras famosas de la Serie Federal (1961) o las realizadas en el contexto de la Nueva Figuración (1961-1965), y las actuales, ha habido un desarrollo formal y conceptual tan sustancial que se hace necesario repensar la totalidad de su labor. Aunque ésta vuelve cada tanto a mirar hacia los orígenes, e incluso cuando muchas de las preocupaciones que la animan no han mutado demasiado a lo largo del tiempo, lo cierto es que no es posible abordar su producción actual si no se la piensa desde el contexto que le corresponde, que es el del momento, la cultura, el mundo y el país en los cuales vivimos hoy”.

A través de su larga y prolifera trayectoria, Noé se ha posicionado como una de los artistas más importantes de la escena local, cuya producción se nos presenta como única y siempre vigente.

YESO

Del dúo Splash in vitraux, es una instalación site-specific, especialmente creada por los artistas Manuel Ameztoy y Ernesto Arellano. De dimensiones monumentales, la propuesta combina los lenguajes de la escultura y el arte textil, que asumen diferentes relaciones dialécticas en la instalación e intervención especifica del espacio.

Según Santiago Bengolea, curador de la exhibición, “YESO es una resurrección de la técnica del fresco reinventando el oficio. Señala accidentes dentro de una arquitectura travestida en paisaje: la transparencia de la espesura y la secreción vitrificada son las escaleras, luego viene el pliegue geométrico. Por último, atravesando el piso crujiente, se encuentra el muro.

Splash in vitraux, forma un nuevo lenguaje desde la conjunción de las prácticas características de los artistas que lo integran: Ameztoy recorre la escultura blanda y la instalación incorporando la estructura arquitectónica como fundamento de sus intervenciones de calados textiles; Arellano, por otro lado, compone esculturas en cerámica con diferentes ingredientes de la escultura argentina mezclados con elementos del animé y la ciencia ficción.”

Esta muestra propone al espectador sumergirse en un espacio tomado por las obras, transformando las mismas, y convirtiéndose en una parte activa y constitutiva de este estallido de color.

Ambas muestras pueden visitarse hasta el al 1º de febrero de 2015

De martes a domingo de 12 a 20. Ingreso hasta media hora antes del cierre. Lunes Cerrado

Tarifa normal: $50. Tarifa reducida de $25 para menores de 12 años, jubilados, estudiantes y docentes.

Miércoles: tarifa normal $25 y ACCESO GRATUITO PARA: menores de 12 años, jubilados, estudiantes y docentes con acreditación.

Colección de Arte Amalia Lacroze de Fortabat

Olga Cossettini Buenos Aires, 54 (11) 4310-6600

Meraviglie dalle Marche II

Una muestra de arte sin precedentes organizada por Artifex empresa que trajo otra muestra de la misma región en al año 2012. En esta ocasión la mayoría de las obras salen por primera vez de Italia, y provienen de  Museos y colecciones privadas de Le Marche,  región sobre la costa adriática italiana  que deriva  su nombre de Marca como sinónimo, en su momento,  de territorio fronterizo.

Es una selección de obras maestras que evidencian la riqueza artística de esta región que por su ubicación geográfica recibe influencias del Norte y del Sur de Italia y que es, a la vez,   un puente hacia las culturas orientales. Con obras entre el prerrenacimiento y que llegan hasta el siglo XIX, cobran especial importancia las pinturas del Cinquecento y Seicento,  período que abarca el Renacimiento maduro, el Manierismo y el Barroco, con obras de Perugino, Tiziano, Lorenzo Lotto, Guido Reni, Guercino y otros nombres quizás menos rutilantes pero con producciones notables que dan fe de la intensidad del pensamiento religioso de la época y del admirable oficio de estos artistas de Italia, que ocupan un lugar protagónico en la historia del arte universal.

La exposición está curada por Giovani Morello, presidente de Artifex Italia y Stefano Papetti, con el patrocinio de Regione Marche y el apoyo del Museo Nacional de Arte Decorativo.

Hasta el 30 de noviembre de 2014

De martes a domingo de 14 a 19

Entrada $50.- Jubilados con carnet  $25.- Menores de 12 años gratis.

MARTES ENTRADA LIBRE

Museo Nacional de Arte Decorativo

Av del Libertador 1901 – Buenos Aires - 4801-8248 / 4806-8306

Año Cortázar 2014: cien años con Julio

El Ministerio de Cultura de la Nación, la Televisión Pública, el Museo Nacional de Bellas Artes, la Biblioteca Nacional, el Museo del Libro y de la Lengua, la Casa Nacional del Bicentenario y el Palais de Glace organizan el “Año Cortázar 2014: Cien años con Julio”, una serie de actividades en homenaje al escritor, para celebrar el centenario de su nacimiento, el 26 de agosto de 1914.

La conmemoración comenzó en marzo, en el Salón del Libro de Paris, donde la Argentina fue el país invitado de honor. Allí se exhibió una muestra de fotos de Sara Facio, amiga personal del autor de Rayuela, que incluyó 15 imágenes tan inéditas como memorables. Otra actividad destacada fue el mural que el dibujante Miguel Rep pintó en vivo, componiendo una línea de tiempo de la vida y la obra de Cortázar.

En la Biblioteca Nacional, del 25 al 27 de agosto, 40 académicos y escritores del país y del exterior se ocupan de repensar su legado literario en las jornadas internacionales “Lecturas y relecturas de Julio Cortázar”. Se realizan 12 mesas de debate con reconocidos expositores convocados a reflexionar sobre el rol del intelectual en la actualidad, analizar la obra cortazariana en sus múltiples aspectos, y trazar sus vínculos con temas como el cine, el jazz, el boxeo, la práctica de la traducción y la narrativa de hoy.

En el Museo Nacional de Bellas Artes se exhibe, por un lado, su colección personal integrada por material fotográfico, documentación en papel y películas filmadas en super 8, que llega por primera vez al país y se presenta desde fines de agosto, hasta mediados de noviembre. Mientras que el segundo piso alberga la muestra “Los fotógrafos: ventanas a Julio Cortázar”.

En el Palais de Glace, del 26 de agosto al 21 de septiembre, la muestra “Rompe-Cortázar, Relatos para armar”, con curaduría de Juan Sasturain, se compone de ocho historietas inspiradas en cuentos del escritor. Los textos elegidos son "La noche boca arriba", con guión y dibujo de Salvador Sanz; "Carta a una señorita en París", con guión de Diego Agrimbau y dibujo de Lucas Varela; "Reunión", por Enrique Breccia; "La señorita Cora", con guión de Lautaro Ortiz y dibujo de El Tomi; "La autopista al Sur", con guión Pablo de Santis y dibujo de Ignacio Minaverry; "La noche boca arriba", con guión de Carlos Sampayo y dibujo de Carlos Nine; "Ómnibus", con guión de Esteban Podetti y dibujo de Diego Parés; y "Axolotl", con guión de Jorge Zentner y dibujo de Pablo Túnica.

Además, habrá salas de lectura para adultos y para niños, con material impreso, audiovisual e interactivo, y se exhibirá un mural sobre la biografía de Cortázar realizado por Miguel Rep.

En el Museo del Libro y de la Lengua, hasta el 31 de octubre, puede recorrerse “Rayuela. Una muestra para armar”, una propuesta interactiva y lúdica -aspecto insoslayable en la obra de Cortázar- sobre una de las obras clave de las letras latinoamericana, que marcó un punto de inflexión en la literatura en español. La exposición acerca al visitante distintos circuitos: el que le dicte la habitual distribución del espacio, el que indica el tablero con las estaciones numeradas, o el que le sugiera la curiosidad. Y, como complemento, "El otro cielo", una exhibición bibliográfica que reúne las primeras ediciones de Cortázar.

En la Casa Nacional del bicentenario puede visitarse hasta el 28 de septiembre, Julio Cortázar 1914 - 2014, un recorrido por la vida del escritor y su producción literaria, a través de una selección de fotografías realizadas por Sara Facio, Manja Offerhaus, Alicia D'Amico y Dani Yako, fragmentos de algunos de sus textos, su voz y los datos más relevantes de su trayectoria.

Esta muestra coproducida por Tecnópolis y el Ministerio de Cultura de la Nación, fue presentada en el Encuentro Federal de la Palabra, en abril de 2014.

En la Televisión Pública hasta el 30 de agosto propone actividades con entrada libre y gratuita. Los sábados 16, 23 y 30 a las 18, se realiza el ciclo “El perseguidor: Cortázar y el jazz” en el Estudio 1 del canal (Figueroa Alcorta 2977). El primer sábado se presenta Néstor Astarita Jazz Trío; el 23 es el turno de la Antigua Jazz Band; y el cierre del ciclo estará a cargo de Jorge López Ruiz Cuarteto.

El programa “Filmoteca, temas de cine”, con Fernando Martín Peña, que se emite de lunes a jueves a la medianoche por la Televisión Pública, presenta del 25 al 28 de agosto los films : Blow up (1966) de Michelangelo Antonioni (versión libre de “Las babas del diablo”, uno de los cuentos que Cortázar incluyó en Las armas secretas); El perseguidor (1962) de Osías Wilenski (escrito a partir del cuento homónimo de Julio Cortázar); Circe (1963) de Manuel Antín (basado en el cuento del mismo nombre (que integra la colección de relatos Bestiario); y L´ingorgo (1978) de Luigi Comencini (producción italiana basada en el cuento de Julio Cortázar “La autopista del sur”, incluida en Todos los fuegos el fuego).

Además, se exhiben fotografías estenopeicas realizadas por el colectivo Atalalata a partir de la obra cortazariana. “Una reiteración visible de su alma: Ilustración estenopeica para Julio”, es el nombre de la muestra que consta de 25 fotos que ilustran el cuento “Carta a una Señorita en París”.

TODAS LAS ACTIVIDADES SON CON ENTRADA LIBRE Y GRATUITA

Ecos Simultáneos y El Ojo extendido

La Colección de Arte Amalia Lacroze de Fortabat inauguró dos exhibiciones: una de videoarte coreano contemporáneo y otra de obras producidas en la Argentina desde 1923 hasta 2004. Ambas muestras pueden verse hasta el 28 de septiembre de 2014.

Ecos Simultáneos

Videoarte coreano contemporáneo

En coproducción con el Centro Cultural Coreano de la Embajada de la República de Corea en la Argentina, se presentarán dieciocho obras de diez artistas jóvenes que incluye videos, videoinstalaciones e instalaciones interactivas.

Los trabajos seleccionados por la curadora Youngsil SOHN examinan el lenguaje del media art coreano surgido a partir del 2000.

“Para la elección del tema de la exhibición se ha prestado especial atención a la actualidad en Corea, donde internet y lo virtual se están desarrollando al extremo. Allí es donde los opuestos virtual/actual, baja/alta tecnología y tradicional/moderno coexisten. Ecos simultáneos investiga las tensiones derivadas de las relaciones opuestas entre el arte moderno coreano y el media art, entre Nam June Paik y su legado, la sociedad y el individuo, el arte y la vida, la tecnología y el arte. Estas relaciones, dentro de la sociedad coreana, son terrenos cambiantes donde la política, la religión y las identidades culturales se regeneran continuamente. Estos cambios de perspectiva generan ecos simultáneos y podrían ser la construcción de una nueva visión de la realidad, enriquecida por la creatividad y la imaginación.”

El Ojo extendido

Huellas en el inconsciente

La exposición reúne un conjunto de más de setenta obras de treinta y cuatro artistas y un colectivo producidas desde 1923 hasta 2004, especialmente seleccionadas por la curadora Mercedes Casanegra. La muestra se fundamenta en un espacio poético y en obras individuales, más que en tendencias artísticas o por los límites trazados por la historia del arte.

Según la curadora la exhibición “incluye las miradas sobre el mundo representadas en cada una de estas obras, y las abre hacia sentidos simbólicos. El órgano de la percepción sensible e intelectual –el ojo– se integra a la imaginación. Y, así, se proyecta la idea de esta exposición como un viaje imaginario, como un recorrido que se despliega a través de las obras, conducido por el sentido privilegiado de la percepción visual, que, en este caso, exalta el ser órgano de la visión interior.”

Un viaje introspectivo que propone el descenso a los orígenes, al inconsciente o el conocimiento concreto o espiritual. El recorrido se amplía hacia el espacio interior, según escribe Casanegra en el texto curatorial.

“La aspiración al viaje propone aquí la experiencia del arte como encrucijada existencial y poética que pasa a través de la obra, el artista, el conjunto de piezas de la exposición y el espectador, quien cierra el círculo. Esta condición introspectiva y transformadora tanto del espíritu común entre estas obras como de la idea de viaje conduce a relacionarlas con el ánimo del surrealismo y el arte metafísico.

Artistas incluidos en la exhibición:

Roberto Aizenberg, Pompeyo Audivert, Libero Badii, Leo Batistelli, Juan Batlle Planas, Antonio Berni, Oscar Bony, Mildred Burton, Juan José Cambre, Miguel Caride, Jorge de la Vega, Fermín Eguía, Roberto Elía, León Ferrari, Ramón Gómez Cornet, Alberto Greco, Víctor Grippo, Alfredo Guttero, Alberto Heredia, Kenneth Kemble, Fortunato Lacámera, Marcos López, Víctor Magariños, Luis Felipe Noé, César Paternosto, Martha Peluffo, Liliana Porter, Emilio Renart, Rubén Santantonín, Lino Enea Spilimbergo, Charlie Squirru, Grete Stern, Xul Solar.

Hasta el 28 de septiembre de 2014

De martes a domingo de 12 a 20. Lunes Cerrado. Ingreso hasta media hora antes del cierre.

Tarifa normal: $50. Tarifa reducida de $25 para menores de 12 años, jubilados, estudiantes y docentes.

Miércoles: tarifa normal $25 y ACCESO GRATUITO PARA: menores de 12 años, jubilados, estudiantes y docentes con acreditación.

COLECCIÓN DE ARTE AMALIA LACROZE DE FORTABAT

Olga Cossettini 141 - Puerto Madero - Buenos Aires- 54 (11) 4310-6600

Festival Internacional de Cine Ambiental

Segunda Edición del FINCA

El FINCA surge con la necesidad de ampliar las perspectivas culturales desde un enfoque social y comprometido hacia la problemática ambiental, a través de la imagen cinematográfica como medio sensibilizador.

La dinámica de cada encuentro permite al público apreciar una amplia variedad de películas destacadas sobre  la temática medioambiental y además participar de espectáculos, muestras de expresión artística, y charlas-debate con la presencia de personalidades tanto del mundo del cine como de organizaciones ambientalistas.

Reuniendo una gran variedad de formatos y géneros como el cortometraje, largometraje, documental, ficción, animación y reportaje, las obras que se exhiben tanto nacionales como internacionales, acompañan la intención del FINCA de superar el prejuicio acerca de la exclusividad del debate medioambiental para profesionales del sector.
Desde este punto de vista, FINCA apuesta a ser un espacio para la discusión sobre la cuestión ambiental asumiéndola como problemática central en todas las agendas públicas, así como en los hogares y en los centros educativos, entendiendo que es nuestra responsabilidad como habitantes de la tierra la apropiación de prácticas sustentables y el reconocimiento de la importancia de la preservación de la biodiversidad.

El FINCA es una iniciativa del Instituto Multimedia DerHumALC –IMD (Derechos Humanos de América Latina y el Caribe), asociación sin fines de lucro radicada en Buenos Aires, creada en aras del fortalecimiento de la investigación, el estudio, la docencia, la difusión en materia de Derechos Humanos, a través de la participación activa con el uso de recursos audiovisuales y nuevas tecnologías.

Desde el 23 al 30 de Julio

En tres Sedes:

• Alianza Francesa de Buenos Aires
• Cine Gaumont
• BAMA Cine Arte

Mendoza Walking

La primera muestra de Richard Long en la Argentina

Tras caminar durante diecisiete días por Tupungato y el Cordón del Plata de la Cordillera de los Andes, el reconocido artista británico Richard Long expone dos obras site specific inspiradas en la naturaleza argentina.

Por más de cuarenta años, Richard Long ha sido un pionero de la caminata como práctica escultórica y, al desarrollarla, ha visitado algunos de los paisajes más remotos y salvajes del planeta. Aunque los medioambientes específicos conforman la obra de Long, ésta trasciende cualquier límite territorial.

Long ha dicho: “Un sendero es el sitio de muchos viajes. El lugar de la caminata está allí antes y después de ella”.

Mendoza Walking, la primera muestra de Richard Long en la Argentina y su primera muestra individual en Latinoamérica, es el resultado de viajes recientes por Tupungato y el Cordón del Plata en la Cordillera de los Andes (Mendoza), y en particular de la caminata y la escultura que realizó ante la vista del Aconcagua, la montaña más elevada del continente americano, así como de sus visitas a Buenos Aires, el río Parana y la llanura pampeana. La obra de Long consiste en el acto mismo de caminar; en la documentación de la caminata en forma de textos y fotografías; en las esculturas que hace in situ mientras interviene en el paisaje y, por último, en las esculturas que realiza específicamente para la galería utilizando materiales tales como arcilla, piedra y madera.

Long invita a los visitantes a compartir su diálogo íntimo con el paisaje épico de Argentina a través de la instalación de cuatro piezas: Andes-Paraná, el wall work realizado por el propio Long con barro del arroyo Gauyracá del Río Paraná, creado in situ en la sala Los Molinos; Pampas Dreaming, una escultura con maderas provenientes de Misiones; el monumental texto Mendoza Walking, una selección de fotografías de sus esculturas en el paisaje por la región argentina de Cuyo, y un texto narrativo más pequeño de esa misma travesía.

Hasta el 28 de julio de 2014

Sábado, domingo y lunes de 12 a 19

Entrada: $40 / Lunes gratis

FAENA ARTS CENTER

Aimé Paine 1169, Puerto Madero. Buenos Aires, Argentina - 4010 9233

Instante Eterno

Muestra de Fabián Burgos

MACBA inauguró este mes el calendario 2014 con una exhibición ontológica del artista argentino Fabián Burgos. Un conjunto de más de 15 piezas realizadas entre los años 2000 y 2014, se reúnen bajo la perspectiva curatorial de María Constanza Cerullo, Curadora en Jefe de la colección MACBA.

Con un juego de sentidos opuestos y en convivencia, en palabras de la curadora, Instante eterno, nos remite a las diversas investigaciones que Fabián Burgos recorre en el terreno pictórico, asociado a las vertientes del neocinetismo y el arte óptico. Siguiendo una larga tradición que se vincula a las corrientes de la abstracción geométrica preocupadas por el efecto de la forma, el color y la vibración de los mismos que percibe la retina, Burgos dialoga de forma libre e impertinente con las figuras canónicas de la tendencia.

A partir del empleo de mecanismos de apropiación y cita, así como los efectos retinianos del fenómeno moiré, Burgos repiensa y homenajea a artistas claves de la historia del arte moderno y contemporáneo.

Asimismo se presentarán piezas de las series tituladas Sin fin, espirales y aquellas conocidas como cercos, obras donde además de la anécdota cinéfila, el accidente y la certeza conviven entre sus universos de referencia.

Hasta el 13 de julio

MACBA - Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires

www.macba.com.ar

Av. San Juan 328 - Buenos Aires - +54 11 5299 2010

Lunes a viernes de 12:00 a 19:00. Sábado y domingo de 11:00 a 19:30

Ingreso hasta 30 minutos antes del cierre. Martes cerrado

Valor de entrada:

Adultos: $25. Estudiantes, docentes y jubilados (o mayores de 65 años) con acreditación vigente: $15. Menores de 12 años siempre sin cargo.

Miércoles: General: $15. Estudiantes, docentes, jubilados (o mayores de 65 años) con acreditación vigente $10

Arqueología de un silencio

Objetos de Celeste Martínez

Del mismo modo que la oscuridad es otra de las mutaciones de la luz o que la quietud es el presagio de la tempestad, el silencio es eco desarticulado, falsa alegoría, complicidad tácita, murmullo contenido, duplicidad ambigua. Características y virtudes todas ellas reproducidas en la obra de Celeste Martínez, quien, con precisión quirúrgica, le brinda a los objetos de su estudio una identidad  voluble: simuladas mariposas, fingidos senderos azules y violáceos, hendiduras rugosas. En la exactitud de la disposición de esos objetos, Martínez camufla su naturaleza prodigiosa.

Con la minuciosidad de quien pretende develar un crimen, la artista recoge materiales y se sirve de ellos para configurar una escena única que expone la esencia de su obra: la ironía del estridente neón, que nos exige silencio; la pulcritud de la cuerina sintética; están la madera y el vidrio, que ofrecen sutileza y transparencia; hay planos negros y luces apagadas, formas oblicuas de un misterio que rehúsa develarse; la gélida cerámica, con la que se le da forma a la tensión entre lo estético y lo terrible.

En el juego sutil que desde el comienzo pauta Martínez con el que observa su obra no existen reglas comunes a ambos. La artista le ofrece falsas pistas para llevarlo al encuentro de una realidad que surge de la tensión entre lo que se ve y lo que no se ve.

Ezequiel Lavena

Hasta el 5 de junio

De martes a viernes de 15 a 21 y sábado de 12 a 18

El Mirador Espacio  –  Brasil 301  –  4361-0711

Entrada libre y gratuita

Moda ficción, naturaleza, joyas y bicicletas

Exposición antológica de Eduardo Costa

La presente exposición antológica permite recorrer más de 40 años de trayectoria de Costa, a través de numerosas piezas realizadas en distintas ciudades —Buenos Aires, Nueva York, Río de Janeiro—, que lo han tenido como protagonista de la escena artística local e internacional.

Cada una de sus obras incluye a otras que las resignifican y potencian. De esta forma, se genera un conjunto de múltiples vasos comunicantes que conforman una enciclopedia dispersa, en la cual caben la naturaleza, la moda, la revisión de tópicos de las vanguardias históricas, la música pop, la literatura oral, el métier del joyero y hasta una pinacoteca redefinida en objetos realizados con pintura sólida. Así, fragmentos de un diálogo casual devienen en un poema; una mariposa atrapada en alas de plástico que duplican las suyas se transforma en una joya que ilustra las revistas de moda; un caracol muestra su forma perfecta para funcionar como un anillo, y las ramas de un árbol se modelan para convertirse en un exclusivo brazalete. Diferentes objetos y acciones artísticas se establecen en un equilibrio complejo y, a la vez, armónico.

Para esta ocasión el artista instaló su taller en la sala Museo para que los espectadores puedan observar en directo cómo se van enhebrando cada una de estas continiudades.

Costa es un creador que irrumpió a mediados de los años 60 en la escena porteña (los años de oro del Instituto Di Tella) con propuestas que se conocieron como Arte de los medios, esto es, una forma estética y táctica en la cual la información, el evento y la ficción dieron un paso más allá del happening, lo que se definió entonces como la desmaterialización de la obra de arte. Fue autor, junto con Roberto Jacoby y Raúl Escari, del manifiesto Un arte de los medios de comunicación (1966) y del llamado Arte de los medios que incluyó, entre otros trabajos, el happening ficticio conocido como Happening para un jabalí difunto, una acción que se materializó en los propios medios de comunicación.

Con posterioridad a este celebrado debut —más específicamente desde el suceso conocido como The Fashion Show Poetry Event, realizado en Nueva York en 1969 y que contó con la participación de Andy Warhol, Alex Katz, Claes Oldenburg y Marisol Escobar, entre otros— puso en marcha una visión aún más personal de la moda, de su circulación, de sus accesorios, de su difusión y de sus sistemas visuales.

Otro importante capítulo dentro de su producción son las pinturas volumétricas. Sus pinturas son pinturas hechas de pintura: una forma tautológica que derriba los códigos fijados por la tradición ilusionista.

MAMBA - Museo de Arte Moderno de Buenos Aires

Avenida San Juan 350 – Buenos Aires - 4393-2170

Rómulo Macciò, Jacques Bedel y Miguel Ángel Roca

El Centro Cultural Recoleta expone en sus principales salas tres muestras imperdibles de Rómulo Macciò, Jacques Bedel y Miguel Ángel Roca

REPERTORIO

Pinturas de Rómulo Macciò

Repertorio, lejos de la tentación de ser una muestra retrospectiva, es un encuentro con lo nuevo de uno de los artistas contemporáneos más importantes de nuestro país, con un creador que, en sus cincuenta años de trayectoria, ha marcado y sigue marcando un rumbo a las generaciones de artistas visuales que lo sucedieron.

Esta muestra está dividida en dos partes. La primera hasta fin de mayo y la segunda de junio a agosto.

Autodidacta, surrealista, informalista, uno de los grandes pintores argentinos del siglo XX. Creador junto a Noe, Deira y De la Vega del movimiento Neo Figuración, desde allí brindó una nueva mirada a la pintura abstracta incorporando al hombre a la misma. La obra de Macciò supo romper aquella falsa dicotomía entre abstracción y figuración. Iconoclasta, sus cuadros significaron una respuesta al statu quo del mundo del arte.

“La obra de Rómulo Macciò difunde con inusitada calidad y precisión la vigencia de la pintura como reveladora de las problemáticas urbanas contemporáneas” sostiene Renato Rita, curador de la muestra.

Primera parte: Hasta el miércoles 28 de mayo

Segunda parte: Desde el jueves 19 de junio hasta el domingo 3 de agosto

Sala Cronopios

LA TEMPESTAD

Fotografías de Jacques Bedel

La Tempestad, es una muestra compuesta por doce fotografías impresas sobre policarbonato y dos objetos colgantes de acrílico que nos muestran imágenes superpuestas de cielos tormentosos, tomadas desde el centro mismo de la tormenta, a más 10.000 kilómetros de altura.

La perturbación del equilibrio es la constante en el mundo en que vivimos, este necesita de ese cambio brusco para su propia existencia. Las dinámicas producidas por la fricción violenta de los elementos agitan la creación de vida en este planeta. El artista aquí busca trascender de ese caos y como un escultor captura esta efímera experiencia atmosférica en imágenes tridimensionales.

Jacques Bedel, escultor, pintor, diseñador y arquitecto argentino, diseña en 1980 junto a Clorindo Testa y Luís Benedit el actual Centro Cultural Recoleta.

Hasta el jueves 29 de mayo - Sala J

Miguel Ángel Roca

Retrospectiva del multipremiado arquitecto argentino

La muestra retrospectiva de los 50 años de carrera del arquitecto argentino que diseñó y construyó más centros culturales está integrada por fotos, videos, maquetas, dibujos originales y algunas pinturas.

Miguel Ángel Roca es un arquitecto con una amplia trayectoria profesional. Su creatividad para la creación de conceptos ha sido plasmada en la concreción de diferentes edificios, parques, plazas, ornamentaciones y muchas obras maestras arquitectónicas. Por ello, en la última edición de la Bienal Internacional de Arquitectura de Buenos Aires se le entregó el Gran Premio Bienal Jorge Glusberg y el comité internacional de críticos de arquitectura – CICA, le ha concedido el Premio a la trayectoria latinoamericana por su labor arquitectónica y universitaria.

La muestra cuenta con la curaduría de Alejandro Ledesma, Karina Neghini y Adehenar Orellana Rioja.

Hasta el miércoles 28 de mayo – Sala C

De martes a viernes de 13 a 20

Sábado, domingo y feriados de 11 a 20

Centro Cultural Recoleta - Junín 1930 - 4803-1040

www.centroculturalrecoleta.org

Pat Andrea, Facundo de Zuviría y Universos de la moda

La Colección de Arte Amalia Lacroze de Fortabat inauguró la temporada 2014 con tres muestras en simultáneo: "Alicia" de Pat Andrea; "Ciudades de América" de Facundo de Zuviría y "Universos de Moda", que podrán visitarse hasta el 29 de junio

Alicia

Del artista holandés Pat Andrea. Curadora: Virginia Agote

Las dos series de 24 obras cada una que se presentan, son producto de un profundo desarrollo sobre los libros de Lewis Carroll, Alicia en el país de las maravillas y Al otro lado del espejo y lo que Alicia encontró allí realizado por el artista a lo largo de cuatro años. Según las propias palabras de Andrea: “Después de escuchar más a mi instinto y de releer más de un millar de veces las aventuras de la niña, mis conclusiones me demostraron el camino correcto. ¡Tenía que volver a la libertad perdida, convertirme en el pintor que podía hacer cualquier cosa, siempre!”

La exhibición cuenta con la producción del Museo Provincial de Bellas Artes Franklin Rawson de San Juan donde se exhibió por primera vez en el país, itinerando después por el Museo Emilio Caraffa de Córdoba y ahora en Buenos Aires. El artista completará la muestra con una intervención directamente en las paredes del edificio.

Según la curadora Virginia Agote: “Las obras de esta muestra no responden al concepto de ilustración, puesto que Andrea parte del texto de Carroll, pero para interrogarlo y someterlo a interpretaciones y relecturas, convirtiéndose él mismo en personaje a la búsqueda de respuestas. Posiblemente sea una de las claves que Pat Andrea nos propone: pararnos del otro lado de las imágenes; participar de una ceremonia especular y permitirnos recuperar el sentido del juego con nuestros propios miedos, deseos y desvaríos”.

Ciudades de América

Fotografías de Facundo de Zuviría. Curadora: María Pimentel

Se presentan un conjunto de más de sesenta fotografías, resultado de un proyecto que comenzó a desarrollar el artista en 2008. Con el propósito de plasmar algunas de las ciudades más emblemáticas de América, en esta oportunidad las fotografías retratan las ciudades de Buenos Aires, Cartagena de Indias, Montevideo, Nueva York y Rio de Janeiro; que integran la primera parte de este proceso.

“En el caso de estas fotos salí como un cazador de imágenes sintiendo que estaba imbuido de una misión personal: tenía que rescatar el espíritu de estas ciudades antes de que el tiempo lo arrasara”, declaró Facundo de Zuviría quien se dedica a la fotografía de forma profesional desde 1980.

“Vi en las fotografías de Facundo una pasión por reflejar el espíritu de estas ciudades americanas, pasión que me propuse transmitir en una exposición. Es por eso que Artifex, junto con la Colección de Arte Amalia Lacroze de Fortabat, co-produjo esta interesante muestra con el fin de que estas fotografías puedan ser vistas y disfrutadas por el público”, comentó María Pimentel, Directora de Artifex y curadora de la muestra.

Facundo de Zuviría (Argentina, 1954) comienza en 2008 junto con Érica Roberts Ciudades de América, un proyecto fotográfico editorial que se propone retratar las ciudades más emblemáticas de América.

Universos de la moda

Curadora y Coordinadora: Vicky Salías

Con la intención de recorrer el panorama de la moda local de los últimos 15 años, y analizar en qué modo los diseñadores se inscriben en la vestimenta urbana, se presentan cuatro núcleos conceptuales: Las influencias ancestrales, La mirada histórica, Signos remixados y El futuro es ahora. Cada uno de estos núcleos se desarrollara en las charlas que acompañaran la muestra.

La curadora nos plantea: “Universos de moda se propone desentrañar los modos discursivos de los diseñadores de moda locales de los últimos quince años. Modos que se inscriben, desde lo metodológico, en los procedimientos propios de la posmodernidad, particularmente la deconstrucción. En términos simbólicos, sus universos referenciales han sido clasificados, a modo de abordaje, en cuatro conceptos temáticos, ni excluyentes ni exclusivos... otros podrían ser los ejes o sus protagonistas. Pero lo cierto es que, estos diseñadores, de formación tanto universitaria, por elección o hereditaria, en tanto que tales, han delineado una nueva concepción en la vestimenta urbana desde ópticas particulares.”

De martes a domingo de 12 a 20. Lunes Cerrado.

Ingreso hasta media hora antes del cierre.

Hasta el 29 de junio

Valor de la entrada:

Tarifa normal: $45. Tarifa reducida de $20 para menores de 12 años, jubilados, estudiantes y docentes.

Miércoles: tarifa normal $20 y acceso gratuito para menores de 12 años, jubilados, estudiantes y docentes con acreditación.

Colección de Arte Amalia Lacroze de Fortabat

Olga Cossettini  141, Dique 4. Puerto Madero. Buenos Aires - 54 (11) 4310-6600

Buenos Aires y la Justicia

Convocatoria para la realización de una obra bidimensional en gran formato

El Poder Judicial de la Ciudad de Buenos Aires, convoca a la presentación de proyectos para la realización de una obra bidimensional en gran formato. Se dispondrá de un presupuesto de $40.000 para la realización del proyecto seleccionado y un premio de $60.000.- para el artista.

La obra, con dimensiones de 2,6 metros de alto por 5,5 metros de largo, quedará expuesta en el hall de entrada del edificio de la Cámara de Apelaciones en lo Contencioso Administrativo y Tributario del Poder Judicial de Buenos Aires.

El concurso tiene como objeto contribuir a un acercamiento entre el Poder Judicial, la comunidad artística y la sociedad, proponiendo un diálogo colectivo sobre la identidad de la Justicia de la Ciudad. La obra tendrá como tema la representación de la Justicia.

El Jurado estará integrado por Daniel Santoro, Eduardo Stupía, Florencia Battiti, Juan Manuel Olmos, Carlos Balbín, Hugo Zuleta y Horacio Corti.

La convocatoria está abierta a artistas mayores de edad residentes en Argentina, que podrán presentarse individual o colectivamente.

Los proyectos deberán ser inscriptos digitalmente y presentados entre el 19 de marzo y el 30 de mayo de 2014.

Más información, Bases y Condiciones: http://arteyjusticia.jusbaires.gob.ar

Joseph Beuys

El conjunto de más de 110 obras realizadas entre las décadas de 1955 y 198, componen un amplio panorama del universo estético del artista.

Joseph Beuys (Krefeld, 1921 - Düsseldorf, 1986) el revolucionario artista de la segunda mitad del siglo XX, nace en Alemania en 1921, en el seno de una familia de origen holandés. Realiza sus estudios en la Academia de Bellas Artes, donde descubre su interés por las ciencias naturales y la religión, problemáticas que continúan vigentes en el transcurso de su vida. 

Considerado uno de los  artistas imprescindibles para comprender el desarrollo del arte contemporáneo, el pensamiento de Joseph Beuys se caracteriza por la confianza en el ser humano y una mirada multifacética del mundo. El cuestionamiento a la educación oficial, su iniciativa para recuperar la conversación como parte del pensamiento y la defensa del medio ambiente son algunas de sus principales preocupaciones.  En 1972, para la Documenta Kassel V, instala la “Oficina de la Organización para la Democracia Directa por Referéndum Libre”, un espacio de discusión con el público donde expone sus principios mediante conversaciones performáticas a lo largo de 100 días.

Joseph Beuys. Obras 1955-1985  reúne dibujos, objetos, esculturas, instalaciones, videos y performances. El panorama comienza en 1955 cuando se relaciona con el grupo Fluxus y produce piezas en colaboración, entre las que se destacan las de construcción musical. Después, a lo largo de toda su carrera, Beuys reflexiona y cuestiona diversas problemáticas. Su pregunta sobre si es posible la educación del arte está documentada en una legendaria acción en la cual le explica a una liebre muerta el arte contemporáneo. 

En 1974, su preocupación por el elitismo en el arte y la idea conservadora de la institución lo llevan a fundar la «Universidad Libre Internacional», organización que se afirma en el compromiso del cuerpo social en el arte, la creatividad como ciencia de la libertad y el sentido revolucionario del arte como mecanismo transformador de la sociedad. Estas propuestas lo llevan a enunciar “Todo hombre es un artista”, a la vez que propone convocar a la propia intuición para “así entendernos a nosotros mismos como centro de escolarización e información (...)”.

Otra de sus grandes preocupaciones es la defensa del medio ambiente. En 1970 participa como co-fundador del Partido Verde Alemán, donde milita varios años. Estos intereses lo vinculan al artista argentino Nicolás García Uriburu. En 1981, realizan una acción en conjunto en la que colorean las aguas del río Rhin en Düsseldorf, Alemania. De esta experiencia se conservan una serie botellas que contienen el agua contaminada del río, presentes en la exhibición. Al año siguiente, para la Documenta Kassel VII, ambos artistas realizan una segunda acción en conjunto que consistió en plantar 7 mil robles junto a bloques de concreto, tarea que se completa en el transcurso de 5 años. 

Junto a otros intelectuales, en la Alemania de posguerra, Beuys investiga y reflexiona sobre filosofía, alquimia, chamanismo y antroposofía acercándose a los grandes pensadores de la época, como Rudolf Steiner y Martin Heidegger, y a artistas como Marcel Duchamp. Estos pensamientos están presentes en muchas de sus obras y escritos.

Hasta junio de 2014

Fundación PROA - Av. Pedro de Mendoza 1929 - C.A.B.A. - +54-11 4104-1000

De martes a domingo de 11 a 19. Lunes cerrado