miércoles, 17 de diciembre de 2014

Improptu

 
Se presenta por primera vez en la Argentina la exhibición ideada en nuestro país por CAI GUO-QIANG. Considerado uno de los artistas más significativos en la actualidad,  nacido en Quanzhou, China en 1957, se traslada a Japón en 1986 y reside en Nueva York desde 1995. Dotado de una increíble versatilidad y creatividad tanto en el uso de los materiales, como también en la magnitud y escala de sus trabajos, llega por primera vez a nuestro país invitado por Proa.

El artista ha elegido el título Impromptu (improvisación) para reflejar un enfoque aproximado al de la música y coreografía que pudo observar en el tango, como también en otros aspectos de la vida cultural de nuestro país. Luego de dos viajes exploratorios, concibió Impromptu para las cuatro salas de Proa, el espacio aéreo de la librería y un “proyecto de explosión” con fuegos artificiales inspirado en el tango.

La exhibición presenta paisajes a gran escala realizados en pólvora sobre papel con sus impresiones de visitas a Misiones y a Salta, una serie de pinturas con pólvora que reúnen elementos inspirados por distintas fuentes: la fauna argentina, el tango y los retablos religiosos del sur de Europa; además el artista ha creado una instalación hecha en cerámica que se suspende en el espacio aéreo de la librería.
Una sala dedicada a la documentación de sus obras producidas en nuestro país y a diversos  “proyectos de explosión” realizados alrededor del mundo, brindan un panorama completo de esta faceta única de su obra.
Las obras creadas in-situ para la muestra, fueron realizadas con la asistencia de grupos de estudiantes de la Universidad Nacional de las Artes (UNA) y del Instituto Municipal de Cerámica de Avellaneda, durante una semana. Ante la vista del público, el artista compartió su proceso de construcción de la obra y su azaroso resultado. Este método artístico abierto acoge la participación de los voluntarios como otro elemento creativo de la obra. El proceso ante el público se convierte en si mismo en un diálogo entre culturas donde el artista dirige un “acontecimiento” como si fuese un maestro de la escena, esta actividad tiene en sí mismo una naturaleza Impromptu dado el carácter impredecible de los elementos que se integran.

En diálogo con la exhibición, el sábado 24 de enero, el artista presenta un único evento artístico efímero “La vida es una milonga: tango de fuegos artificiales para Argentina” donde incorpora música, danza, participación del público y nueva tecnología pirotécnica, una obra en la que propone un recorrido por la historia del tango y de nuestro país durante el siglo XX.

FUNDACIÓN PROA
Av. Pedro de Mendoza 1929 –La Boca, Caminito - Buenos Aires - [54.11] 4104.1000
De martes a domingo de 11 a 19 - Lunes cerrado.
Hasta el 1º de marzo de 2015

martes, 9 de diciembre de 2014

Demasiado Joven para Casarse

La multipremiada muestra fotográfica que recorrió el mundo, ahora en Argentina,
Las fotos son un testimonio realista de alto impacto sobre un problema mundial, el matrimonio obligado en la infancia y la adolescencia.
Un llamado a la reflexión a través de imágenes de gran valor periodístico, histórico y cultural tomadas por Stephanie Sinclair, fotógrafa de Agencia VII y National Geographic.

Una selección de 34 fotografías testimoniales sobre casamientos de niñas y adolescentes en Afganistán, Guatemala, Nepal, India, Etiopía, Tanzania y Yemen; también incluye 2 videos documentales que capturan la historia personal de estas niñas-novias, realizados por Sinclair y su equipo.
Un trabajo de investigación y documentación fotográfica realizado durante casi una década. Casamientos e historias de vida retratados con el fin de reflejar la situación de millones de niñas y adolescentes que son obligadas a casarse demasiado jóvenes, cuando todavía ni siquiera han alcanzado la pubertad. La muestra forma parte de la campaña de UNFPA (Fondo de Población de las Naciones Unidas) a nivel global, que busca generar conciencia acerca del matrimonio en la infancia y la adolescencia, apoyar a las niñas que ya están casadas y detener esta práctica, evitando que durante la próxima década 142 millones de niñas más sufran la misma suerte.
En Buenos Aires, “Demasiado Joven para Casarse” se presenta acompañada por una muestra de fotografía local, que refleja lo que sucede en nuestro país en materia de embarazo adolescente, donde muchas niñas y adolescentes se ven en la obligación de hacerse cargo de una familia cuando todavía son muy jóvenes para ello. La muestra local se lleva a cabo con el apoyo de ARGRA Escuela (Asociación de Reporteros Gráficos de Argentina) y fue coordinada por Leo Liberman, reconocido fotógrafo y docente de dicha Asociación. En la muestra se presentan las fotografías de Paula Ábalos, César Gurrieri y Sarah Pabst.

Demasiado Joven para Casarse se presenta en el marco de la campaña “Hablar es Prevenir” que UNFPA lanzó recientemente en nuestro país, protagonizada por Catherine Fulop, con el objetivo de concientizar acerca del problema del embarazo adolescente en la Argentina y de la necesidad de que los padres hablen con sus hijos del tema para prevenirlo a través de la educación y de dar información correcta a niñas, niños y adolescentes. En la Argentina, al menos una de cada seis mujeres tiene su primer hijo antes de cumplir los 19 años, es decir que 322 nacimientos por día en el país son de madres adolescentes.
El 69% de ellas no planearon ese embarazo.

Acerca de Stephanie Sinclair
Fotógrafa, nacida en 1973, ha documentado el problema global del matrimonio en la infancia por más de una década. Vivió en Medio Oriente durante seis años y comenzó su trabajo con niñas obligadas a casarse luego de encontrar a mujeres jóvenes que se habían prendido fuego en Afganistán y de saber que muchas de ellas habían sido casadas siendo niñas.
Stephanie recibió tres veces el premio del WorldPressPhoto por estas fotos que se exhiben ahora en Buenos Aires, y dos Visa d’Ors en el festival de fotografía Visa PourL´Image, en Perpignan, Francia. Además, ha ganado otros numerosos premios, incluyendo el Care International a reportajes humanitarios, el OverseasPressClub´s Olivier Rebbot, y un premio Pulitzer.
Stephanie es miembro y dueña de la Agencia VII Photo. También es cofundadora de la Cooperativa de Jabón Elsa & Amigos, una pequeña empresa de fabricación casera de jabón en Etiopía para niñas que han huido del matrimonio.

Del 10 de diciembre de 2014 al 8 de marzo de 2015
(CERRADO desde 22.12.2014 al 9.1.2015)
Martes a domingo de 14 a 19
MARTES ENTRADA GRATUITA
De miércoles a domingo entrada general $20.- Jubilados y menores de 12 años GRATIS
Museo Nacional de Arte Decorativo - Av. del Libertador 1902 – Buenos aires

jueves, 20 de noviembre de 2014

Cromofobia

Curadora: Teresa Riccardi
Entre la luz y su ausencia, una reunión de imágenes, esculturas, dibujos y fotografías contemporáneas proyectan temporariamente  un espacio formal y acromático en MACBA.  Como si se tratara de una cámara resonante que desafía el umbral audible intensificándolo o neutralizándolo, las piezas que integran esta exhibición en blanco y negro ocupan la arquitectura del museo creando un relato que cancela la posibilidad expansiva e inmaterial que nos propone el color para pensar la gramática formal  que instalan los extremos lumínicos y opacos.

En esta constelación, la certeza gobierna sobre la inestabilidad sugerida por la variación de tintes y cromas, evitando los desvaríos del color, las explosiones y sus afinidades selectivas. Cromofobia  no intenta construir formas de interacción a partir de sus tintes, sino a partir de sus valores y significaciones. Donde cada intervalo de sentido se elabora en la superficie material, y las gradaciones o volúmenes espaciales se reparten entre las distintas intensidades de fuente lumínica. En esta manifestación, ciertas piezas, exteriorizan las progresiones intermedias que componen  la escala de los grises.

Cromofobia nos invita a percibir las obras, su planteo formal y nos acerca a la subjetividad que se inscribe detrás del conocimiento sensible y lenguaje de cada artista. Expone un modo posible de ver usos diversos del blanco y el negro, y en ello, de qué modo ésta elección adquiere un peso específico, una gravedad discursiva.  No obstante la restricción del color, la exhibición nos abre hacia otra lectura fenomenológica de los objetos, las cuales despliegan un horizonte de posibilidades para poder mirarlas y comprenderlas.

Esta exhibición reúne piezas de: Leandro Katz, Horacio Zabala, Lucio Dorr, Silvana Lacarra, Andrés Sobrino, Jorge Miño, Ivana Vollaro, Pablo Accinelli, Nicolás Mastracchio, Marcela Sinclair, Tomás Espina, Matías Duville, Mathieu Mercier, Marcolina Dipierro, Alfio Demestre, Eduardo Basualdo, Guido Yannitto, Erica Bohm, Malena Pizani y Mariano Vilela. También se incluyen obras de la Colección MACBA de los artistas Anna María Maiolino, Ascânio MMM, Knopp Ferro, João Costa da Silva, Lothar Charoux, Rogelio Polesello, Beto de Volder, Pilar Ferreira, Manuel Álvarez, João Carlos Galvão y Raúl Lozza. 

Hasta el 1º de marzo de 2015
Lunes a viernes de 12 a 19 - Sábados y domingos de 11 a 19:30 - Martes cerrado
Ingreso hasta 30' antes del cierre

Tarifas
Adultos: $30. Estudiantes, docentes y jubilados (o mayores de 65 años) con acreditación vigente: $20. Menores de 12 años: sin cargo
Miércoles: Adultos: $20. Estudiantes, docentes y jubilados (o mayores de 65 años) con acreditación vigente: sin cargo. Menores de 12 años: sin cargo
MACBA – San Juan 328 – 5299-2010

lunes, 17 de noviembre de 2014

La seducción fatal. Imaginarios eróticos del siglo XIX

Curada por Laura Malosetti Costa. Organizada en colaboración con la Biblioteca Nacional, la exposición se desarrolla también en la Sala del Tesoro de la misma, donde se exhiben grabados y publicaciones eróticas de su acervo.

Se exhiben alrededor de 65 obras de pintura y escultura, además de grabados, fotografías e impresos, reunidas en los siguientes núcleos: Erotismo y violencia, Desnudo, voyeurismo y trasgresión. Esta selección permite contemplar obras de artistas europeos y argentinos, incluyendo al uruguayo Juan Manuel Blanes, del siglo XIX.

Aunque buena parte de las obras reunidas fue realizada en Europa, en un nuevo ámbito sus significados variaron: nuestra mirada situada en la Buenos Aires de fin de siglo las desplaza a un escenario distinto, donde se tramitaron de otros modos las novedades y las tradiciones europeas, así como las relaciones de género, raza y clase implícitas en las formas del erotismo que esas obras pusieron en escena.

En este sentido hay una invitación a pensar sincrónicamente los distintos circuitos y públicos para este tipo de representaciones y la incipiente cultura de masas en la ciudad: los grabados y libros de lujo, la fotografía, la caricatura política, la publicidad en las primeras revistas ilustradas, el cine, la milonga y el tango. A partir de esos cruces, resulta evidente la fluidez con que las imágenes, los símbolos, las formas de pensar y sentir circularon entre la cultura de las elites y la de las clases populares, en una ciudad que por esos años alimentó una fama mundial de ser tan bella y seductora como peligrosa.

Gracias a la iniciativa de la Biblioteca Nacional de convocar a destacados escritores contemporáneos para escribir sobre las obras de esta exposición, tenemos la oportunidad de acercarnos al estímulo tanto intelectual como sensible que ellas siguen ejerciendo sobre este grupo selecto de hombres y mujeres de nuestra cultura, lo cual habla de la persistencia de sus poderes.

Visitas guiadas a la exposición: a partir del 19 de noviembre, martes a domingo a las 18

Hasta el 15 de marzo de 2015
Martes a viernes de 12.30 a 20.30 - Sábado y domingo de 9.30 a 20.30
Museo Nacional de Bellas Artes - Avenida del Libertador 1473
ENTRADA LIBRE Y GRATUITA

Los Viajes de Nushi

De la artista Nushi Muntaabski
La obra que presenta la artista Nushi Muntaabski es un cuerpo, su cuerpo, de 9 metros de largo que emula los viajes de Gulliver del libro de Jonathan Swift.
El cuerpo se presenta fragmentado permitiendo ver su interior y ocupando, tomando, el espacio circundante. Es difícil definir a esta multifacética artista según Marcelo Pacheco, quien manifiesta:

“Pero ¿qué se sabe de Nushi? Se sabe que empezó plantando zanahorias –al menos es lo más antiguo que retiene esta memoria– y que ahora teje bajo el alero de su galería frente al jardín lleno de rosales, mientras piensa en Gulliver y sus ocho metros, un Gulliver que es ella, que tiene su cuerpo, sus formas, su rostro. Nushi gigante y en rebanadas, por allá un brazo, por acá el cuello, más lejos la cabeza, del otro lado un pie junto al torso; un Gulliver mujer que se arma y se desarma, una buena definición para Nushi y sus Nushis que la persiguen o la protegen según las épocas.
Pero volvamos ¿qué se sabe de Nushi? Zanahorias, venecitas, lectora paciente, exploradora de imágenes, le gusta verse desmembrada, quizás por el placer y las ganas de multiplicarse o porque se siente partida o la fueron cortando en pedacitos; mutilación, milagro, fantasía, psicosis, el gusto que le provoca pensar en la risa de la gente jugando con su cuerpo, sentada sobre sus ojos, corriendo entre sus piernas y un brazo, perdida en su sexo, deslizándose sobre su torso.”

Hasta el 22 de febrero de 2015
Colección Amalia Lacroze de Fortabat - Plaza seca
Olga Cossettini 141 - Buenos Aires - 54 (11) 4310-6600
ACCESO LIBRE Y GRATUITO

miércoles, 12 de noviembre de 2014

2do. Festival El Cine Cocina


El Cine Cocina celebra la cocina, los que la hacen y las películas que inspira.

Con una mayor oferta cultural y gastronómica, la programación de la segunda edición reúne películas, talleres y actividades lúdicas y didácticas, además de cenas temáticas únicas inspiradas en las películas del festival.

De la mano del padrino y chef Takehiro Ohno, el festival pone el acento sobre la gastronomía japonesa con la presentación del documental Jiro dreams of Sushi de David Gelb, sobre el sushimaster Jiro Ono recompensado con tres estrellas Michelin, y la clásica obra de ficción Tampopo del director Jūzō Itami, que retoma con humor la estética western spaghetti al mejor estilo ramen.

Recorriendo Asia, el festival llega a la India con su fabulosa cocina especiada y multifacética que mezcla tradición y modernidad, de la mano de la exquisita comedia romántica Amor a la carta, del director Ritesh Batra.

¿Ganas de viajar en el tiempo para descubrir los orígenes de la crema chantilly y los pantagruélicos banquetes de la corte francesa? La película Vatel de Roland Joffé nos sumerge en los inicios de la gran cocina francesa retratando a uno de sus más emblemáticos representantes.

De la tradición a la modernidad, los documentales L'invention de la cuisine: Pierre Gagnaire de Paul Lacoste y Les alchimistes aux fourneaux de Gilles de Maistre, ambos dedicados a Pierre Gagnaire, uno de los chefs franceses contemporáneos más importantes de su generación, nos invitan a descubrir la maravillosa evolución de la técnica culinaria en manos de un cocinero artista.

Gracias al documental canadiense Le Semeur de la directora Julie Perron, nos volvemos a conectar con la tierra y el origen de los alimentos: sembrar, cosechar, habitar la tierra e integrar el ciclo de la naturaleza, no sin transformarlo con algo de arte y poesía.

En el Nuevo Mundo, la deliciosa película Julie & Julia de Nora Ephron nos da la receta para curar los males gracias a un suculento boeuf bourguignon; mientras que la reciente Chef: la receta de la felicidad de Jon Favreau nos lleva de viaje en foodtruck para descubrir las delicias del sur de los Estados-Unidos.

Y finalmente, para terminar con algo dulce, el festival le dedica dos películas al suculento chocolate, con la película Chocolat de Lasse Hallström y Charlie y la fábrica de chocolate de Tim Burton.

A esta variada y completa programación de obras culinarias se suma la presencia de un plantel de chefs reconocidos y experimentados que presentarán las películas según la especialidad de cada uno. A la par de las películas, el festival le ofrece al público un taller de chocolatería para jóvenes no videntes, un taller de cocina de la India y un "minuto para sembrar".


Del 12 al 20 de noviembre de 2014
Alianza Francesa - Av. Córdoba 946

lunes, 3 de noviembre de 2014

El Greco y la pintura de lo imposible. 400 años después

En el marco de la celebración del IV Centenario de la muerte del Greco, el Museo Nacional de Bellas Artes presenta la exposición homenaje El Greco y la pintura de lo imposible. 400 años después.

La muestra cuenta con la presencia del óleo Las lágrimas de San Pedro de la colección del Museo del Greco de Toledo, como obra invitada gracias a la colaboración de Cooperación Española y de la Embajada de España/CCEBA.

Cuando en 1936 Jesús en el huerto de los olivos de Doménico Theotocópuli, el Greco, ingresó al Museo Nacional de Bellas Artes (MNBA) era una de las obras más relevantes de un maestro antiguo perteneciente a su  acervo y, desde entonces, ha integrado los distintos guiones curatoriales de la colección permanente.

El Greco entendía que la pintura era un arte superior y como tal le permitía tanto la aproximación a lo real y su representación, como la plasmación de lo imposible, esa otra realidad que se escapa a los sentidos  -epifanías, encarnaciones, milagros-  que inevitablemente abordaba con un canon de proporciones alargadas, y originales contrastes de luz y color, alejado del modelo establecido, como puede verse en las tres obras del artista presentadas en esta oportunidad. Jesús en el Huerto de los Olivos del MNBA, Jesús con la Cruz a cuestas, de la colección del Museo Nacional de Arte Decorativo (MNAD) y, proveniente del Museo del Greco de Toledo y prestada especialmente  para esta ocasión,  Las lágrimas de San Pedro, dialogan con las de sus contemporáneos Luis de Morales, Francisco Pacheco y Mateo Cerezo (Col. MNAD),  también de asunto devocional.

La exposición, curada por María Florencia Galesio, presenta además un conjunto de pinturas de artistas españoles pertenecientes a la generación del 98, óleos de algunos de sus miembros que, en la transición hacia el siglo XX, revalorizaron la figura del maestro griego.

Completa la exposición la proyección del video El Greco. Pintor de lo invisible, gentilmente cedido por la Fundación El Greco 2014 (Toledo).

Hasta el 15 de enero de 2015
Martes a viernes de 12:30 a 20.30
Sábados y domingos de 9:30 a 20.30
Museo Nacional de Bellas Artes - Av. del Libertador 1473 - Buenos Aires - 5288-9900
ENTRADA LIBRE Y GRATUITA

Antonio Berni: Juanito y Ramona

Curadores: Mari Carmen Ramírez y Marcelo E. Pacheco

La primera exposición de Antonio Berni (Rosario, 1905 - Buenos Aires, 1981) que presenta en forma exhaustiva y con piezas prácticamente desconocidas, sus célebres series de Juanito Laguna y Ramona Montiel e incluye a los Monstruos de sus pesadillas.

Producida en forma conjunta por MALBA y el Museum of Fine Arts, Houston (MFAH), la muestra reúne un conjunto de 150 obras creadas entre 1958 y 1978, cedidas por la familia del artista y por veinticinco colecciones públicas y privadas de Argentina, Uruguay, Estados Unidos, España y Bélgica.

Activo desde fines de los años 20, Berni desarrolló una larga y prolífica carrera marcada siempre por su visión social y política de izquierda, que abarcó diversas variantes del surrealismo y del realismo, como el que él mismo acuñó, a mediados de los años 30, bajo el nombre de “Nuevo Realismo”. A fines de los años 50, cuando ya gozaba de gran reconocimiento en la escena local con importantes vínculos intelectuales en París, Berni dio un giro radical a su concepción del arte que lo posicionó como un artista de pensamiento contemporáneo.
“Este realismo, actuando dialécticamente, encontró en el ciclo de Juanito Laguna y Ramona
Montiel su campo más provocativo. El uso del collage y el ensamblado puso en juego el problema de lo `real real´ y fortaleció las conexiones subyacentes de la actividad social que se oculta en el mundo concreto de los objetos”, reflexiona Marcelo Pacheco en su ensayo del catálogo.
La exposición se centra en este período singular e innovador de la producción de Berni, en el que narra la vida y las andanzas de dos personajes ficticios, el chico de la villa miseria y la prostituta, como arquetipos de una realidad social posindustrial, en la periferia de la ciudad de Buenos Aires, pero que podrían haber surgido de cualquier gran urbe latinoamericana.

Los protagonistas: Juanito y Ramona
A fines de los años 50, la figura de un niño empezó a aparecer como tema reincidente en la obra de Berni. Juanito Laguna surge como el primer personaje berniano. Está inspirado en los cientos de niños que el artista encontró en las villas miseria o barrios periféricos humildes que existían en la ciudad de Buenos Aires desde los años 30 y que incluso habían crecido en los últimos años.
Berni concibe a Juanito como hijo de un trabajador obrero, peón de la industria metalúrgica que vive en el barrio ubicado en el bañado de Flores y que pasa el tiempo jugando libremente en la calle. Como aclara el propio Berni: “Juanito es un chico pobre pero no un pobre chico. No es un vencido por las circunstancias sino un ser lleno de vida y esperanza, que supera su miseria circunstancial porque intuye vivir en un mundo cargado de porvenir”.
Internacionalmente apareció por primera vez en la Bienal de Venecia de 1962, en la que Berni obtuvo el Gran Premio de grabado y dibujo.

Berni comenzó a desarrollar el personaje de Ramona Montiel mientras vivía y trabajaba en París, a partir de 1962. Ramona es una joven de barrio que vive en el corazón de la gran urbe: Buenos Aires. Agobiada por su trabajo de costurera y seducida por los lujos y los esplendores, así como por las falsas promesas de “una vida mejor”, se vuelve prostituta.
Para esta serie el artista hurgó en los mercados de pulgas parisinos buscando materiales con los cuales componer su nuevo personaje: viejos vestidos de lentejuelas, pedazos de encaje, cordones, pasamanerías y demás accesorios con los que se engalanaban las mujeres de la Belle Époque. Ramona es producto de una concepción parisina del artista, alimentada de la tradición del cabaret francés y de su figura principal: la corista.

Los monstruos creados en un primer momento en escala bidimensional representaban los temores que acechaban a Juanito en su paisaje o entorno cotidiano, pero luego, ya en escala tridimensional, son producto de las pesadillas en relación al incumplimiento de los deseos de Ramona. Igual que los ensamblajes que narran la historia de Juanito, estas criaturas fantásticas surgen de objetos de desecho y de materiales reciclados; pero, a diferencia de aquellos, transfieren las investigaciones del artista a la escala de grandes objetos. Por eso Berni los bautizó “construcciones polimatéricas”.
Desde 1964, Berni dividió sus monstruos en dos grupos: Monstruos cósmicos y Monstruos infernales que desafían a Ramona Montiel. El carácter humorístico de estas bizarras creaciones provocó gran revuelo al ser expuestas por primera vez en su retrospectiva en el Instituto Di Tella en 1965. No sólo ponían en jaque las nociones conservadoras del “buen gusto”, sino que además mostraban la imaginación y el virtuosismo del artista en la técnica del ensamblaje, que acercaba la obra al objeto escultórico.

Hasta el 23 de febrero de 2015
Jueves a lunes y feriados de 12 a 20 - Martes: cerrado – Miércoles de 12 a 21
Ingreso hasta 30' antes del cierre

Entrada General: $60.
Estudiantes, docentes y jubilados acreditados: $30. Menores de 5 años y personas con discapacidad: sin cargo.
MIÉRCOLES: General: $30.
Estudiantes, docentes, jubilados con acreditación, menores de 5 años y personas con discapacidad: sin cargo.

MALBA Fundación Costantini  - Avda. Figueroa Alcorta 3415 – Buenos Aires - 4808 6500

miércoles, 29 de octubre de 2014

Festival Latinoamericano de Cine Árabe

LATINARAB crece y se consolida como un espacio referencial "sur-sur" donde los cineastas árabes pueden encontrarse con un público formado y estimulado ante el encuentro de una cinematografía de excelencia hasta hoy poco habitual en los circuitos comerciales de nuestra región.

Se busca generar un espacio para compartir historias y vivir la existencia como algo universal y común a todos. Es una forma de seguir construyendo ventanas de excelencia que nos liguen y religuen al mundo árabe y su cultura; una cultura que por más de un siglo ha sido parte constitutiva de la identidad de muchos países de nuestra América latina. Porque en una mirada a los ojos, en un giro, en un arabesco, nos reencontramos con aquellos otros que no son sino "nosotros" en otro lugar. Desde allí, desde las pantallas invitándonos al desafío de aprender, crecer y compartir la circularidad del espacio-tiempo, juntos. A reconocernos en esas miradas como parte única e irrepetible de la gran familia de la humanidad. Creemos en el cine a través de esa mirada.

También integran el festival:
"País Invitado de Honor". En esta ocasión celebraremos la cinematografía de Marruecos con la Primera Semana de Cine Marroquí en Argentina a desarrollarse del 3 al 8 de Noviembre en la Alianza Francesa de Buenos Aires.

Retrospectiva: Faouzi Bensaïdi (Invitado especial del festival)
Con una filmografía compuesta de tres cortos y tres largometrajes, Faouzi Bensaïdi se ha posicionado internacionalmente como la punta de lanza de una generación de jóvenes que revolucionó el cine marroquí en los albores del siglo XXI. La misma se realiza en colaboración con la Universidad del Cine (FUC). Proyectaremos: Death for sale (2011); WWW “What a Wonderfull World” (2006); Mille Mois (2003)

Ventana Ajyal - Nueva Mirada para la Infancia y la Juventud
Nueva Mirada es una asociación civil sin fines de lucro especializada en cultura, industrias culturales y comunicación dedicada a dar respuesta a las necesidades de capacitación y desarrollo educativo y cultural de niños, adolescentes y jóvenes. Esta sección, coproducida con el Festival Ajyal de Doha (DFI)  integrada por cortometrajes infantiles árabes con la participación en nuestro festival de alumnos de escuelas primarias de Buenos Aires.

Del 30 de octubre al 12 de noviembre
·         Alianza Francesa – Córdoba 936 - $ 5.-
·         Cine Gaumont – Av. Rivadavia 1635 - $ 8.-
·         CCGSM – Sarmiento 1551 - $ 30 / Estud. y Jubilados: $ 20.-
·         Biblioteca del Congreso de la Nación - Alsina 1835 - LIBRE Y GRATUITO

martes, 28 de octubre de 2014

8ª Muestra DOCA 2014

El cine documental independiente ha crecido y se ha diversificado. En el último año, el 50% de las películas nacionales estrenadas fueron documentales, muchos de ellos premiados nacional e internacionalmente, convocantes de públicos masivos y disímiles en festivales, centros culturales, escuelas, fábricas recuperadas y sindicatos, invitados a participar de espacios de formación y debate; reconocidos como espejo y memoria de nosotros mismos.

Sin embargo, las salas cinematográficas comerciales continúan dando la espalda a estos modos de ver el mundo, que representan la mitad de la producción del cine nacional. El problema es que la exhibición está mayoritariamente en manos de cadenas concentradas de capitales asociados a  multinacionales del entretenimiento, poco afines a difundir un cine anclado en la realidad de un pueblo que les es ajeno.

Los y las documentalistas ya lograron que se subsidie un cine documental independiente y crítico, la tarea ahora es luchar porque el mismo se exhiba en las salas cinematográficas.

Este año se proyectarán más de 20 documentales, entre ellos ocho estrenos.

Ante el reciente hallazgo del cuerpo de Luciano Arruga, desparecido en 2009 tras ser torturado por la policía, es importante destacar el estreno de “Nunca digas nunca” en el día inaugural de la muestra, un documental colectivo y anónimo sobre los desaparecidos en democracia. En la película se puede ver a la familia de Luciano en su incansable lucha y búsqueda de justicia, del mismo modo que se introduce en los casos de Miguel Bru, Julio López y Jonathan “Kiki” Lezcano, buscando respuestas.

En la sección internacional del festival y dentro del foco Palestina se proyectarán: “A World no tours”, del director Mahdi Fleifel, una coproducción de Dinamarca, Líbano y Reino Unido y “Hamdan”, dirigida por Martín Solá, documental que cuenta sobre un antiguo líder palestino que permaneció quince años encerrado en las viejas prisiones israelíes.

Del 30 de octubre al 5 de noviembre
Cine Gaumont - Av. Rivadavia 1635

lunes, 27 de octubre de 2014

NOÉ. S XXI y YESO

Como cierre de este año, la Colección de Arte Amalia Lacroze de Fortabat presenta dos muestras: Noé. S XXI y Yeso

NOÉ. S XXI
La exposición reúne un conjunto de obras producidas por este destacado artista en las primeras décadas del S XXI, especialmente seleccionadas por el curador Rodrigo Alonso. La muestra propone una mirada sobre la presencia vital de Luis Felipe Noé en al contexto contemporáneo, tanto como protagonista y como referente.
La exhibición, escribe Rodrigo Alonso, "está dedicada al trabajo de los últimos años; por fuerza, el menos estudiado de su carrera. Una rápida mirada es suficiente para verificar que entre esas obras famosas de la Serie Federal (1961) o las realizadas en el contexto de la Nueva Figuración (1961-1965), y las actuales, ha habido un desarrollo formal y conceptual tan sustancial que se hace necesario repensar la totalidad de su labor. Aunque ésta vuelve cada tanto a mirar hacia los orígenes, e incluso cuando muchas de las preocupaciones que la animan no han mutado demasiado a lo largo del tiempo, lo cierto es que no es posible abordar su producción actual si no se la piensa desde el contexto que le corresponde, que es el del momento, la cultura, el mundo y el país en los cuales vivimos hoy”.
A través de su larga y prolifera trayectoria, Noé se ha posicionado como una de los artistas más importantes de la escena local, cuya producción se nos presenta como única y siempre vigente.


YESO
Del dúo Splash in vitraux, es una instalación site-specific, especialmente creada por los artistas Manuel Ameztoy y Ernesto Arellano. De dimensiones monumentales, la propuesta combina los lenguajes de la escultura y el arte textil, que asumen diferentes relaciones dialécticas en la instalación e intervención especifica del espacio.
Según Santiago Bengolea, curador de la exhibición, “YESO es una resurrección de la técnica del fresco reinventando el oficio. Señala accidentes dentro de una arquitectura travestida en paisaje: la transparencia de la espesura y la secreción vitrificada son las escaleras, luego viene el pliegue geométrico. Por último, atravesando el piso crujiente, se encuentra el muro.
Splash in vitraux, forma un nuevo lenguaje desde la conjunción de las prácticas características de los artistas que lo integran: Ameztoy recorre la escultura blanda y la instalación incorporando la estructura arquitectónica como fundamento de sus intervenciones de calados textiles; Arellano, por otro lado, compone esculturas en cerámica con diferentes ingredientes de la escultura argentina mezclados con elementos del animé y la ciencia ficción.”
Esta muestra propone al espectador sumergirse en un espacio tomado por las obras, transformando las mismas, y convirtiéndose en una parte activa y constitutiva de este estallido de color.

Ambas muestras pueden visitarse hasta el al 1º de febrero de 2015
De martes a domingo de 12 a 20. Ingreso hasta media hora antes del cierre. Lunes Cerrado

Tarifa normal: $50. Tarifa reducida de $25 para menores de 12 años, jubilados, estudiantes y docentes.
Miércoles: tarifa normal $25 y ACCESO GRATUITO PARA: menores de 12 años, jubilados, estudiantes y docentes con acreditación.

Colección de Arte Amalia Lacroze de Fortabat
Olga Cossettini Buenos Aires, 54 (11) 4310-6600

jueves, 2 de octubre de 2014

Han Cine

Festival de Cine Coreano en Buenos Aires

Se realiza en Buenos Aires la primera edición del Han Cine, donde se exhibirán las películas más populares de Corea de los últimos años.

Han Cine es el primer Festival de Cine Coreano en Buenos Aires. Los 10 largometrajes que se exhibirán son algunos de los más exitosos del mercado coreano y fueron elegidos especialmente para los espectadores de nuestro país.

Muchas películas y cineastas coreanos son ampliamente reconocidos en Argentina. Directores como Kim Ki Duk, Lee Chang-dong o Hong Sangsoo gozan de la admiración generalizada, y películas como Oldboy, Peppermint Candy o Hierro 3 se han convertidas en favoritas para los fanáticos del cine argentinos. Esta primera oleada de films coreanos ahora es precedida por las películas más populares de Corea y los más importantes éxitos de taquilla. Tal es la popularidad y el volumen comercial del cine en Corea que el film Roaring Currents, estrenado recientemente, ha superado la sorprendente cifra de 17 millones de espectadores en Corea a tan solo un mes de su estreno.

Entre las películas que se proyectarán estarán el thriller Vigilancia extrema, de Cho Ui-seok y Kim Byung-seo y la popular Señorita abuela, del director Hwang Dong-hyeuk, la cual se estrenó a principios del 2014 en EE.UU. y tuvo tanto impacto por su temática sobre la familia que despertó el interés de productoras latinoamericanas para realizar futuros remakes. Además, se podrá ver uno de los mayores éxitos en taquilla de la historia del cine coreano, El Gran Golpe, de Choi Dong-hoon. La animación también tiene su espacio con El rey de los cerdos, de Yeon Sang-ho.

Se destaca para el público argentino Todo sobre mi esposa, de Min Kyu-dong, remake de la argentina Un novio para mi mujer, de Juan Taratuto, que en Corea superó los 4.5 millones de espectadores. La grilla de films se completa con Demente, del cineasta Park Jung-woo, La receta final, de Gina Kim, The Berlin File de Ryoo Seung-wan, Confesiones de un asesino, del director Jung Byung-gil, y Relato de un arquitecto, Jeong Jae-eun.

Este festival es organizado por el Centro Cultural Coreano en América Latina de la Embajada de la República de Corea, apoyado por el Ministerio de Cultura, Deporte y Turismo de Corea, el Korean Film Council (KOFIC), Cinermark Palermo, Cineplex Colombia, CJ Entertainment, y declarado de Interés Cultural por el Ministerio de Cultura de la Nación.

Del 2 al 8 de octubre
Cinemark Palermo - Beruti 3399 – Buenos Aires

lunes, 29 de septiembre de 2014

2º Festival de Cine Polaco BAP Cine

Por segunda vez, Buenos Aires podrá disfrutar durante una semana del mejor cine polaco de la actualidad, producido por la Fundación Pro América.

Llega a la Argentina lo más sobresaliente del cine contemporáneo hecho en Polonia a través de largometrajes de ficción, de animación y documentales, junto a sus realizadores.

Este año la mitad de los largometrajes de ficción se basan en historias reales, que resultan ser mucho más increíbles y apasionantes que cualquier guion… La realidad tan extraordinaria, en conjunto con el 7º arte de la mejor calidad, crean una unión exquisita

El festival transcurrirá en el marco de 9º Jornadas Culturales Argentino-Polacas organizadas por ACAP (Asociación Cultural Argentino Polaca), principal sostén organizativo del festival.

En esta edición, se otorgará nuevamente el premio Transatlántico para el mejor largometraje de ficción, con un nuevo emblema escultural que enorgullece a sus organizadores.
También habrá un premio muy especial para el público: un pasaje auspiciado por Lufthansa a 7 destinos diferentes en Polonia: http://bapcine.com/2014/

Del 2 al 8 de octubre
Espacio INCAA Km 0 Gaumont – Rivadavia 1635

jueves, 25 de septiembre de 2014

Meraviglie dalle Marche II

Una muestra de arte sin precedentes organizada por Artifex empresa que trajo otra muestra de la misma región en al año 2012. En esta ocasión la mayoría de las obras salen por primera vez de Italia, y provienen de  Museos y colecciones privadas de Le Marche,  región sobre la costa adriática italiana  que deriva  su nombre de Marca como sinónimo, en su momento,  de territorio fronterizo.

Es una selección de obras maestras que evidencian la riqueza artística de esta región que por su ubicación geográfica recibe influencias del Norte y del Sur de Italia y que es, a la vez,   un puente hacia las culturas orientales. Con obras entre el prerrenacimiento y que llegan hasta el siglo XIX, cobran especial importancia las pinturas del Cinquecento y Seicento,  período que abarca el Renacimiento maduro, el Manierismo y el Barroco, con obras de Perugino, Tiziano, Lorenzo Lotto, Guido Reni, Guercino y otros nombres quizás menos rutilantes pero con producciones notables que dan fe de la intensidad del pensamiento religioso de la época y del admirable oficio de estos artistas de Italia, que ocupan un lugar protagónico en la historia del arte universal.

La exposición está curada por Giovani Morello, presidente de Artifex Italia y Stefano Papetti, con el patrocinio de Regione Marche y el apoyo del Museo Nacional de Arte Decorativo.

Hasta el 30 de noviembre de 2014
De martes a domingo de 14 a 19
Entrada $50.- Jubilados con carnet  $25.- Menores de 12 años gratis.
MARTES ENTRADA LIBRE
Museo Nacional de Arte Decorativo
Av del Libertador 1901 – Buenos Aires - 4801-8248 / 4806-8306

jueves, 11 de septiembre de 2014

14º Festival de cine alemán

La 14ª edición del Festival de Cine Alemán se presenta con más películas y más pantallas.
German Films ha realizado una selección de lo más destacado de la producción alemana, un total de 18 películas y 14 cortometrajes que integran un muestrario de las diferentes estéticas cinematográficas para todos los gustos y públicos.

Como todos los años los films se exhiben en calidad de pre-estreno en Argentina.
Dentro de la selección de películas programadas se destaca el último film de la reconocida directora Doris Dörrie “Todo incluido”.  Otro título para remarcar es “Exit Marrakech”, de Caroline Link, quien obtuvo un Oscar por su film “En ningún lugar de África”.  De Xavier Koller, otro ganador del Oscar con “Viaje a la esperanza”, se presentará “Los hermanos negros”, un film para disfrutar con toda la familia.  Se proyectará además “Entre Mundos”, de la prestigiosa directora Feo Aladag, quien presentó “La extraña” en el 10º Festival de Cine Alemán y participó este año en la competencia internacional del festival de Berlín.
La sección documental del festival  presentará "Art War", de Marco Wilms, y como siempre estará presente la sección de cortometrajes NEXT GENERATION Short Tiger 2014.
Para el cierre del Festival de Cine Alemán, el Goethe-Institut nuevamente nos convoca con un título destacado del cine mudo alemán y un clásico de la cinematografía mundial: “El gabinete del Dr. Caligari” (1927), de Robert Wiene, con acompañamiento musical en vivo a cargo de Marcelo Katz y Mudos por el Celuloide.

Del 11 al 17 de septiembre
Village Cines Recoleta y Arte Multiplex Belgrano
Entrada General: 65$
Abono 6 entradas: 325$ (6 entradas por el valor de 5)
Abono 10 entradas: 520$ (10 entradas por el valor de 8)
Película Muda: 75$

martes, 26 de agosto de 2014

Año Cortázar 2014: cien años con Julio

El Ministerio de Cultura de la Nación, la Televisión Pública, el Museo Nacional de Bellas Artes, la Biblioteca Nacional, el Museo del Libro y de la Lengua, la Casa Nacional del Bicentenario y el Palais de Glace organizan el “Año Cortázar 2014: Cien años con Julio”, una serie de actividades en homenaje al escritor, para celebrar el centenario de su nacimiento, el 26 de agosto de 1914.

La conmemoración comenzó en marzo, en el Salón del Libro de Paris, donde la Argentina fue el país invitado de honor. Allí se exhibió una muestra de fotos de Sara Facio, amiga personal del autor de Rayuela, que incluyó 15 imágenes tan inéditas como memorables. Otra actividad destacada fue el mural que el dibujante Miguel Rep pintó en vivo, componiendo una línea de tiempo de la vida y la obra de Cortázar.

En la Biblioteca Nacional, del 25 al 27 de agosto, 40 académicos y escritores del país y del exterior se ocupan de repensar su legado literario en las jornadas internacionales “Lecturas y relecturas de Julio Cortázar”. Se realizan 12 mesas de debate con reconocidos expositores convocados a reflexionar sobre el rol del intelectual en la actualidad, analizar la obra cortazariana en sus múltiples aspectos, y trazar sus vínculos con temas como el cine, el jazz, el boxeo, la práctica de la traducción y la narrativa de hoy.

En el Museo Nacional de Bellas Artes se exhibe, por un lado, su colección personal integrada por material fotográfico, documentación en papel y películas filmadas en super 8, que llega por primera vez al país y se presenta desde fines de agosto, hasta mediados de noviembre. Mientras que el segundo piso alberga la muestra “Los fotógrafos: ventanas a Julio Cortázar”.

En el Palais de Glace, del 26 de agosto al 21 de septiembre, la muestra “Rompe-Cortázar, Relatos para armar”, con curaduría de Juan Sasturain, se compone de ocho historietas inspiradas en cuentos del escritor. Los textos elegidos son "La noche boca arriba", con guión y dibujo de Salvador Sanz; "Carta a una señorita en París", con guión de Diego Agrimbau y dibujo de Lucas Varela; "Reunión", por Enrique Breccia; "La señorita Cora", con guión de Lautaro Ortiz y dibujo de El Tomi; "La autopista al Sur", con guión Pablo de Santis y dibujo de Ignacio Minaverry; "La noche boca arriba", con guión de Carlos Sampayo y dibujo de Carlos Nine; "Ómnibus", con guión de Esteban Podetti y dibujo de Diego Parés; y "Axolotl", con guión de Jorge Zentner y dibujo de Pablo Túnica.
Además, habrá salas de lectura para adultos y para niños, con material impreso, audiovisual e interactivo, y se exhibirá un mural sobre la biografía de Cortázar realizado por Miguel Rep.

En el Museo del Libro y de la Lengua, hasta el 31 de octubre, puede recorrerse “Rayuela. Una muestra para armar”, una propuesta interactiva y lúdica -aspecto insoslayable en la obra de Cortázar- sobre una de las obras clave de las letras latinoamericana, que marcó un punto de inflexión en la literatura en español. La exposición acerca al visitante distintos circuitos: el que le dicte la habitual distribución del espacio, el que indica el tablero con las estaciones numeradas, o el que le sugiera la curiosidad. Y, como complemento, "El otro cielo", una exhibición bibliográfica que reúne las primeras ediciones de Cortázar.

En la Casa Nacional del bicentenario puede visitarse hasta el 28 de septiembre, Julio Cortázar 1914 - 2014, un recorrido por la vida del escritor y su producción literaria, a través de una selección de fotografías realizadas por Sara Facio, Manja Offerhaus, Alicia D'Amico y Dani Yako, fragmentos de algunos de sus textos, su voz y los datos más relevantes de su trayectoria.
Esta muestra coproducida por Tecnópolis y el Ministerio de Cultura de la Nación, fue presentada en el Encuentro Federal de la Palabra, en abril de 2014.

En la Televisión Pública hasta el 30 de agosto propone actividades con entrada libre y gratuita. Los sábados 16, 23 y 30 a las 18, se realiza el ciclo “El perseguidor: Cortázar y el jazz” en el Estudio 1 del canal (Figueroa Alcorta 2977). El primer sábado se presenta Néstor Astarita Jazz Trío; el 23 es el turno de la Antigua Jazz Band; y el cierre del ciclo estará a cargo de Jorge López Ruiz Cuarteto.
El programa “Filmoteca, temas de cine”, con Fernando Martín Peña, que se emite de lunes a jueves a la medianoche por la Televisión Pública, presenta del 25 al 28 de agosto los films : Blow up (1966) de Michelangelo Antonioni (versión libre de “Las babas del diablo”, uno de los cuentos que Cortázar incluyó en Las armas secretas); El perseguidor (1962) de Osías Wilenski (escrito a partir del cuento homónimo de Julio Cortázar); Circe (1963) de Manuel Antín (basado en el cuento del mismo nombre (que integra la colección de relatos Bestiario); y L´ingorgo (1978) de Luigi Comencini (producción italiana basada en el cuento de Julio Cortázar “La autopista del sur”, incluida en Todos los fuegos el fuego).
Además, se exhiben fotografías estenopeicas realizadas por el colectivo Atalalata a partir de la obra cortazariana. “Una reiteración visible de su alma: Ilustración estenopeica para Julio”, es el nombre de la muestra que consta de 25 fotos que ilustran el cuento “Carta a una Señorita en París”.

TODAS LAS ACTIVIDADES SON CON ENTRADA LIBRE Y GRATUITA

lunes, 25 de agosto de 2014

Cine Centroamericano

Durante dos días, en el marco de la exposición "Fotografía de autores latinoamericanos", se presentará un ciclo de cine centroamericano con una programación a cargo del cineasta costarricense Jurgen Ureña.

JUEVES 28 DE AGOSTO A LAS 19
Proyección de cortometrajes y comentarios a cargo de Jurgen Ureña.

·      CINEMA ALCÁZAR (Florence Jauguey, 1998) Nicaragua, 11 min.
Ganador del Oso de Plata del Festival de Cine de Berlín.”
“Cuando Doña Rosa vino a vivir aquí, despuecito del terremoto, todo era puro escombros. Dicen que aquí era un cine. Pero ella lleva años metida en este cine y nunca en su vida miro una sola película. Pasan tantas cosas en el Cine Alcázar que el tiempo no le alcanza a Doña Rosa para saberlas todas”.

·         CORAZÓN ABIERTO (Katia Lara, 2005) Honduras, 40 min.
Sami Kafati muere en 1996, dejando inconcluso el primer largometraje hondureño de ficción, "No hay tierra sin dueño". Ramsés, hijo del director y Carmen Brito, montajista chilena, terminan el filme. "Corazón abierto" reconstruye los años que Kafati dedicó a hacer posible ese largometraje hondureño, 7 años después de la muerte de Kafati.

·         CUANDO YO SOÑABA UN MUNDO AL REVÉS (Jorge Dalton, 2005) El Salvador, 25 min.
“Una travesura, un extraño viaje a la infancia, paraíso perdido que retornamos mediante un juego inocente y peligroso en que se desatan amores, verdades, virtudes y añoranzas, mezclando varios géneros como la ficción, el video clip y el dibujo animado. Un poema collage construido a partir de material cinematográfico vencido e inservible y de fragmentos de films encontrados en un basurero de La Habana.”

·         LOS INADAPTADOS (Jurgen Ureña, 2011) Costa Rica, 16 min.
Los inadaptados es una bitácora que se desarrolla durante unas pocas noches de mediados de mayo, en una ciudad llamada San José, y en un país conocido optimistamente como la Suiza Centroamericana. Es también un vistazo breve a la cotidianidad laboral de Greta – que antes fue Cristina y antes Andrey-, de Verónica -que antes fue Gustavo-, de María José, Crystal y Tato: habitantes nocturnos de quienes habitualmente se dice mucho pero se conoce más bien poco.


VIERNES 29 DE AGOSTO, A LAS 19
Proyección de largometraje y charla:

·         HASTA EL SOL TIENE MANCHAS (Julio Hernández, 2012) Guatemala, 62 min.
Hasta el Sol tiene manchas cuenta la historia de dos hombres: uno con discapacidad mental, que intenta seducir a la gente para que vote por un candidato presidencial, y el otro es un enmascarado que asalta a las personas a pelotazos en la cabeza y que, además, hace graffiti. Ambos se hacen amigos y eso provoca una fatalidad que los hace saber que el mal existe.

·         Charla “Lo contemporáneo en el cine centroamericano” a cargo de Jurgen Ureña.

Sobre Jurgen Ureña
Jurgen Ureña es cineasta costarricense con una Maestría en Documental Creativo de la Universidad Autónoma de Barcelona. Sus cortometrajes han participado en los festivales de cine de Cannes, Trieste, La Habana, Clermont Ferrand, Washington y Cartagena, entre otros. En octubre de 2010, el Espacio de Artes Kino Palais de Buenos Aires proyectó una breve retrospectiva con algunos de estos cortometrajes.

Ha impartido talleres sobre teoría y práctica del audiovisual en diversos países y ha participado como conferencista en eventos internacionales como la I Bienal de la Américas (Denver; Julio 2010) y el Encuentro de críticos e investigadores Face Contact de PhotoEspaña (Montevideo; Octubre de 2010).

Actualmente, escribe artículos sobre cine en diversas revistas y suplementos culturales, imparte lecciones en la Escuela de Cine y Televisión de la Universidad Veritas y trabaja en el rodaje de su segundo largometraje, titulado Amores rotos.

JUEVES 28 Y VIERNES 29 DE AGOSTO A LAS 19
ENTRADA LIBRE Y GRATUITA
FUNDACIÓN LEBENSOHN - Gral Hornos 238 (Ex fábrica Bagley) Barracas. Buenos aires
Tel 5093.6750/58

jueves, 31 de julio de 2014

Ecos Simultáneos y El Ojo extendido

La Colección de Arte Amalia Lacroze de Fortabat inauguró dos exhibiciones: una de videoarte coreano contemporáneo y otra de obras producidas en la Argentina desde 1923 hasta 2004. Ambas muestras pueden verse hasta el 28 de septiembre de 2014.

Ecos Simultáneos
Videoarte coreano contemporáneo
En coproducción con el Centro Cultural Coreano de la Embajada de la República de Corea en la Argentina, se presentarán dieciocho obras de diez artistas jóvenes que incluye videos, videoinstalaciones e instalaciones interactivas.

Los trabajos seleccionados por la curadora Youngsil SOHN examinan el lenguaje del media art coreano surgido a partir del 2000.
“Para la elección del tema de la exhibición se ha prestado especial atención a la actualidad en Corea, donde internet y lo virtual se están desarrollando al extremo. Allí es donde los opuestos virtual/actual, baja/alta tecnología y tradicional/moderno coexisten. Ecos simultáneos investiga las tensiones derivadas de las relaciones opuestas entre el arte moderno coreano y el media art, entre Nam June Paik y su legado, la sociedad y el individuo, el arte y la vida, la tecnología y el arte. Estas relaciones, dentro de la sociedad coreana, son terrenos cambiantes donde la política, la religión y las identidades culturales se regeneran continuamente. Estos cambios de perspectiva generan ecos simultáneos y podrían ser la construcción de una nueva visión de la realidad, enriquecida por la creatividad y la imaginación.”

El Ojo extendido
Huellas en el inconsciente
La exposición reúne un conjunto de más de setenta obras de treinta y cuatro artistas y un colectivo producidas desde 1923 hasta 2004, especialmente seleccionadas por la curadora Mercedes Casanegra. La muestra se fundamenta en un espacio poético y en obras individuales, más que en tendencias artísticas o por los límites trazados por la historia del arte.

Según la curadora la exhibición “incluye las miradas sobre el mundo representadas en cada una de estas obras, y las abre hacia sentidos simbólicos. El órgano de la percepción sensible e intelectual –el ojo– se integra a la imaginación. Y, así, se proyecta la idea de esta exposición como un viaje imaginario, como un recorrido que se despliega a través de las obras, conducido por el sentido privilegiado de la percepción visual, que, en este caso, exalta el ser órgano de la visión interior.”

Un viaje introspectivo que propone el descenso a los orígenes, al inconsciente o el conocimiento concreto o espiritual. El recorrido se amplía hacia el espacio interior, según escribe Casanegra en el texto curatorial.
“La aspiración al viaje propone aquí la experiencia del arte como encrucijada existencial y poética que pasa a través de la obra, el artista, el conjunto de piezas de la exposición y el espectador, quien cierra el círculo. Esta condición introspectiva y transformadora tanto del espíritu común entre estas obras como de la idea de viaje conduce a relacionarlas con el ánimo del surrealismo y el arte metafísico.

Artistas incluidos en la exhibición:
Roberto Aizenberg, Pompeyo Audivert, Libero Badii, Leo Batistelli, Juan Batlle Planas, Antonio Berni, Oscar Bony, Mildred Burton, Juan José Cambre, Miguel Caride, Jorge de la Vega, Fermín Eguía, Roberto Elía, León Ferrari, Ramón Gómez Cornet, Alberto Greco, Víctor Grippo, Alfredo Guttero, Alberto Heredia, Kenneth Kemble, Fortunato Lacámera, Marcos López, Víctor Magariños, Luis Felipe Noé, César Paternosto, Martha Peluffo, Liliana Porter, Emilio Renart, Rubén Santantonín, Lino Enea Spilimbergo, Charlie Squirru, Grete Stern, Xul Solar.

Hasta el 28 de septiembre de 2014
De martes a domingo de 12 a 20. Lunes Cerrado. Ingreso hasta media hora antes del cierre.
Tarifa normal: $50. Tarifa reducida de $25 para menores de 12 años, jubilados, estudiantes y docentes.
Miércoles: tarifa normal $25 y ACCESO GRATUITO PARA: menores de 12 años, jubilados, estudiantes y docentes con acreditación.
COLECCIÓN DE ARTE AMALIA LACROZE DE FORTABAT
Olga Cossettini 141 - Puerto Madero - Buenos Aires- 54 (11) 4310-6600

viernes, 18 de julio de 2014

Festival Internacional de Cine Ambiental

Segunda Edición del FINCA
El FINCA surge con la necesidad de ampliar las perspectivas culturales desde un enfoque social y comprometido hacia la problemática ambiental, a través de la imagen cinematográfica como medio sensibilizador.

La dinámica de cada encuentro permite al público apreciar una amplia variedad de películas destacadas sobre  la temática medioambiental y además participar de espectáculos, muestras de expresión artística, y charlas-debate con la presencia de personalidades tanto del mundo del cine como de organizaciones ambientalistas.

Reuniendo una gran variedad de formatos y géneros como el cortometraje, largometraje, documental, ficción, animación y reportaje, las obras que se exhiben tanto nacionales como internacionales, acompañan la intención del FINCA de superar el prejuicio acerca de la exclusividad del debate medioambiental para profesionales del sector.
Desde este punto de vista, FINCA apuesta a ser un espacio para la discusión sobre la cuestión ambiental asumiéndola como problemática central en todas las agendas públicas, así como en los hogares y en los centros educativos, entendiendo que es nuestra responsabilidad como habitantes de la tierra la apropiación de prácticas sustentables y el reconocimiento de la importancia de la preservación de la biodiversidad.

El FINCA es una iniciativa del Instituto Multimedia DerHumALC –IMD (Derechos Humanos de América Latina y el Caribe), asociación sin fines de lucro radicada en Buenos Aires, creada en aras del fortalecimiento de la investigación, el estudio, la docencia, la difusión en materia de Derechos Humanos, a través de la participación activa con el uso de recursos audiovisuales y nuevas tecnologías.

Desde el 23 al 30 de Julio
En tres Sedes:

  • Alianza Francesa de Buenos Aires
  • Cine Gaumont
  • BAMA Cine Arte